Welkom in de
Belfius Art Gallery!

De tentoonstelling RECOLLECTION – ART & FASHION brengt een originele dialoog tussen de werken van de Belfius Art Collection en de silhouetten van grote Belgische modeontwerpers, die ontleend werden onder meer van het MoMu in Antwerpen, alsook originele creaties van de nieuwe generatie. De titel Recollection roept een mentaal beeld op , een van emoties doordrongen indruk. Het is met dat idee van een zintuigelijke wandeling, tussen realiteit en fictie, dat de bezoeker kennis kan maken met de metamorfosen van de kunst. Aan de hand van de draden en lianen laat de expressie van de doeken en de stoffen ruimte voor verwondering…

Bienvenue à la
Belfius Art Gallery!

L’exposition RECOLLECTION – ART & FASHION présente un dialogue original entre les œuvres de la Belfius Art Collection et les silhouettes de grands stylistes belges, prêtées entre autres par le MoMu d’Anvers, ainsi que des créations originales de la nouvelle génération. Le titre Recollection évoque une image mentale, une impression empreinte d’émotions. C’est avec cette idée de promenade sensorielle, entre réalité et fiction que le visiteur est invité à se confronter aux métamorphoses de l’art. Au gré des fils et des lianes, l’expression des toiles et des tissus laisse la place à l’émerveillement… 

Totems

Totems

INSPIRATIES

Invloeden kruisen elkaar ; schaduwen sculpteren de ruimte ; en het lijkt alsof het geheel op een mysterieus schip geladen wordt.

INSPIRATIONS

Où les influences se croisent ; les ombres sculptent l’espace ; et le tout semble embarqué sur un bateau mystérieux.

Totems

Totems

LICHT

Kleur is licht ; zien is gewaarworden ; en het einde is gelijk aan het begin.

LUMIÈRE

Où la couleur est lumière ; voir est un ressenti ; et la fin est pareille au commencement.

PUNTEN

Een schilderij is de som van punten en indrukken; jonge meisjes ontmoeten elkaar in het geheim; en de elegantie kan rebelse vormen aannemen.

POINTS

Où la somme des points et des impressions fait le tableau; des jeunes filles se retrouvent en secret; et une élégance peut s’avérer.

STANDPUNTEN

Men neemt een standpunt in, een kunstenaar vindt zijn plaats door zich via een symbool te uiten ; of door zich heerlijk vrijpostig te gedragen.

POSITIONS

Où l’on prend position ; un artiste trouve sa place en s’affirmant par le symbole ; et une autre en pratiquant une délicieuse insolence.

BLIKKEN

Bepaalde blikken geven richting aan de bezoekers ; andere vervormen de lichamen; en twee silhouetten misleiden het oog.

REGARDS

Où les regards donnent des directions aux visiteurs ; d’autres transforment les corps ; et deux silhouettes trompent l’oeil.

OPPERVLAKKEN

Waar men het oppervlak beleeft, worden figuratieve vormen abstract ; en een "Grote Vrouwelijkheid" wordt opnieuw geïnterpreteerd.

SURFACES

Où l’on vit la surface ; les formes figuratives se fondent vers l’abstraction ; et une Grande Féminité est revisitée.

TRANSCENDENTIES

Daar waar de muur tot sculptuur verwordt, bevordert het marmer de meditatie ; en een silhouet, “Peinture cassée”, wordt een lichaam

TRANSCENDANCES

Où le mur s’élève en sculpture ; le marbre favorise la méditation ; et une Peinture cassée devient corps.

GEBAREN

De innerlijke werelden ontsluieren zich ; een creatie komt met beide handen tot stand ; en de Bruid opent het bal.

GESTES

Où les mondes intérieurs se révèlent ; une création se compose à deux mains ; et La Mariée ouvre le bal.

VORMEN

Het schilderij komt tot stand zonder pigment ; de vorm veroorzaakt beweging ; en de stof krijgt vorm eens ze gedragen wordt.

FORMES

Où la peinture se crée sans pigment ; la forme apporte le mouvement ; et la matière une fois portée devient forme.

FICTIES

Waar overleven afhangt van fictie, ontstaat er een anagram ; er wordt een nieuwe alchemie ontdekt.

FICTIONS

Où la survie dépend de la fiction, un anagramme est créé ; et une nouvelle alchimie est explorée

TEKENS

Tekens worden taal ; breiwerk bakent zijn eigen schuinschrift af ; en het kunstwerk verwordt tot een wandeling midden een denkbeeldige plek waar men in zigzag kan rondlopen.

TRAITS

Où le trait devient langage ; le tricot trace sa propre écriture cursive ; et l’œuvre devient promenade au sein d’un lieu imaginaire où l’on peut circuler en zig-zag.

ENERGIE

Het stappen wordt gestuurd door de inspiratie; het ene masker kan een ander verbergen ; en even verschijnt Lou Reed.

ÉNERGIES

Où la marche est guidée par l’inspiration ; un masque peut en cacher un autre ; et Lou Reed fait une apparition.

HERINTERPRETATIES

Vergissingen zijn leerzaam; het tijdloze neemt diverse vormen aan; een schilderij kan tot leven komen.

REVISITATIONS

Où l’erreur instruit ; l’intemporel prend plusieurs formes ; et un tableau peut prendre vie.

Théo van Rysselberghe

Meisje in witte jurk, 1912

Olie op doek

Théo van Rysselberghe (Gent, 1862 – 1926) studeert aan de Academie van Brussel en schildert aanvankelijk in een realistische stijl. Na het oeuvre van Seurat te hebben ontdekt, wordt hij een aanhanger van het pointillisme en de chromatische opdeling. Hij gebruikt zuivere kleuren in zijn werken. In 1910 verhuist hij naar de Azurenkust en richt hij zich op een vrijere impressionistische stijl. Hij gebruikt dan in zijn portretten opnieuw realistische accenten, warmere en meer vibrerende kleuren. Hoewel dit meisje vastberaden en zelfs enigszins uitdagend overkomt, spreekt uit haar houding dat ze toch wat terneergeslagen is.

Théo Van Rysselberghe

Jeune fille à la robe blanche 1912

Huile sur toile

Théo van Rysselberghe (Gand,1862-1926) réalise ses études à l’Académie de Bruxelles, et commence à peindre dans un style réaliste. C’est après avoir découvert l’œuvre de Seurat qu’il décide de se tourner vers le pointillisme et la subdivision chromatique. Il applique alors des touches de couleur pure sur la toile. En 1910, il déménage à la Côte d’Azur et retourne à un style impressionniste plus libre. C’est durant cette période que l’œuvre Jeune fille en robe blanche a été réalisée. Dans son retour vers un impressionnisme plus libre, il réintroduit dans ses portraits des accents réalistes, des couleurs plus chaudes et plus vibrantes. Bien que cette jeune fille nous apparaisse déterminée, voire même un peu provocatrice, son attitude laisse transparaître une pointe de lassitude.

Léon De Smet

Portret van een vrouw, ca 1926

Olie op doek

Léon De Smet (Gent, 1881 – 1966) wordt in verband gebracht met de tweede groep van Sint-Martens-Latem. Hij is sterk beïnvloed door het luminisme van Emile Claus en het pointillisme van Théo Van Rysselberghe. Voor de Smet is schilderen een manier om zijn standvastig optimisme tot uitdrukking te brengen. Hier neemt het model een houding aan in een burgerlijk interieur. Het valt op dat de kunstenaar graag de lichtinval op kleuren, stoffen en meubelen weergeeft.

Léon De Smet

Portrait de femme, vers 1926

Huile sur toile

Léon de Smet (Gand, 1881-1966) réalise ses études à l’académie de Gand avant d’aller s’installer à Laethem-Saint-Martin. Il s’y inscrit au sein du deuxième groupe d’artistes aux côtés de son frère, de Frits van den Berghe, de Constant Permeke et d’Albert Servaes. Ce second groupe est fortement influencé par le luminisme d’Émile Claus ainsi que le pointillisme de Théo Van Rysselberghe. Pour Léon, le fait de peindre permet de trouver un lieu d’expression à son optimisme constant. Si son frère ainsi que d’autres artistes du groupe se dirigent vers l’expressionnisme, Léon reste fasciné par la lumière, la couleur, la texture des jolies choses et la joie de vivre. Dans le tableau exposé ici, le modèle prend la pose dans un intérieur bourgeois. On retrouve l’attrait de l’artiste pour le rendu de la lumière sur les couleurs, les étoffes ainsi que le mobilier.

Gustave De Smet

Spelende kinderen, 1913

Olie op doek

Gustave De Smet (Gent, 1877 – 1943) schildert eerst in de stijl van het impressionisme en luminisme. Dit doek, vlak vóór de Eerste Wereldoorlog gerealiseerd, illustreert die periode. Dit sfeerschilderij heeft een heel intimistisch karakter. Wanneer de Grote Oorlog uitbreekt, vlucht De Smet naar Nederland. Hij komt er in aanraking met het expressionisme en evolueert dan naar een sobere expressieve stijl die opvalt door aardkleurige tinten en robuuste vormen.

Gustave De Smet

Enfants jouant, 1913

Huile sur toile

Gustave De Smet (Gand, 1877-1943) commence à peindre dans un style impressionniste et luministe. Cette toile, réalisée juste avant la Première Guerre mondiale, illustre cette période. Ce tableau d’ambiance a un caractère profondément intimiste. Quelques enfants jouent sous les arbres au bord d’un champ de blé à la fin de l’été. Lorsque la Première Guerre mondiale éclate, De Smet s’exile aux Pays-Bas. Il y découvre l’expressionnisme allemand et hollandais. Il évolue alors vers un style expressif sobre caractérisé par des tons terreux et des formes robustes. En 1922, il revient dans la région de la Lys, où sa palette s’éclaircit et s’adoucit. Il peint les paysans, leurs femmes et leurs enfants dans des volumes harmonieusement équilibrés. C’est l’apogée de sa production expressionniste intensément poétique. Dans les années 30, son intérêt pour la couleur estompe la rigueur formelle. Avec Constant Permeke et Frits Van den Berghe, Gustave De Smet fait partie du triumvirat de l’expressionnisme flamand.

Christian Wijnants

Big tree, Lente Zomer 2014

Courtesy Christian Wijnants

Christian Wijnants (Brussel, 1977) is een modeontwerper die de Dries Van Noten Award behaalde in 2000 met zijn afstudeercollectie aan de Academie van Antwerpen. Nadien maakt hij furore met zijn breiwerk, waarmee hij in 2013 de Woolmark Prize International wegkaapte. De combinatie van diverse manuele technieken, zoals het verven en borduren, resulteert in een vrouwelijke garderobe die makkelijk zit en aangenaam aanvoelt. Dit silhouet komt uit zijn zomercollectie van 2014. De collectie is een eerbetoon aan de islamitische vrouwen in Somalië die samenkomen om basketbal te spelen. Zo zetten zij echter hun leven op het spel: die sport beoefenen druist immers in tegen hun godsdienstige zeden. Het silhouet is een realisatie die in dit opzicht goed de stijl van de ontwerper weergeeft: een zekere nonchalante, comfortabele, bijna sportieve elegantie. Hij kiest voor luchtige, transparante kledij en laat daarbij zijn poëtische verbeelding de vrije loop. De verf lijkt de aardse tinten uit de schilderijen op te roepen. Net als het rebelse karakter van het jonge meisje en die andere geheime samenkomst weerklank geven aan de Somalische bijeenkomsten die de ontwerper hebben geïnspireerd.

Christian Wijnants

Big tree – Printemps Été 2014

Courtesy Christian Wijnants

Christian Wijnants (Bruxelles, 1977) est un créateur de mode qui a obtenu le prix Dries Van Noten pour sa collection de master à l’Académie d’Anvers en 2000. Il s’est fait connaître depuis pour son innovation dans le travail de la laine, par son dessin et ses coupes, il a d’ailleurs reçu le Woolmark Prize International en 2013. Combinant différentes techniques manuelles comme la teinture et la broderie, il décline un vestiaire féminin qui se porte avec aisance et confort. Cette silhouette est issue de sa collection pour l’été 2014. Une collection dans laquelle il a voulu rendre hommage aux jeunes filles islamiques de Somalie qui se retrouvent pour jouer au basket, dans la complète transgression de la coutume religieuse et parfois au péril de leur vie. La silhouette est une élaboration qui représente bien en cela le style du créateur : une certaine élégance nonchalante, confortable, presque sportive. Ici, elle implique une dissimulation du corps par un jeu de transparence habile, le tout réalisé avec une véritable poésie. La teinture semble évoquer les aplats aux notes végétales des tableaux. Tout comme la fronde dans la position de la jeune fille et cette autre réunion secrète semblent faire écho aux réunions somaliennes qui ont inspiré le créateur.

Bram Bogart

Wit in blauw, 1978

Gemengde techniek

Bram Bogart (Delft, 1921 – 2012) is een Nederlandse expressionistische schilder die in 1969 tot Belg wordt genaturaliseerd. Bogart brengt de verfpasta, de pure kleuren zoals ze uit de verftube komen, rechtstreeks op het doek aan. Hij werk zo een systeem uit dat de autonomie van de kleuren onthult. Als adept van de informele schilderkunst, zoals “Action Painting” of de dripping-techniek van Pollock, leunt hij aan bij de CoBrA-beweging. Later zien zijn schilderijen eruit als kleine constructies door het gebruik van cement, krijtpoeder, vernis en pigment. Dat resulteert in driedimensionale werken met levendige en primaire kleuren.

Bram Bogart

Blanc dans le bleu 1978

Technique mixte

Bram Bogart (Delft, 1921-2012) est un peintre expressionniste néerlandais naturalisé belge en 1969. Appliquant directement la pâte épaisse des tubes de couleurs pures sur la toile, Bram Bogart élabore un système qui révèle aux couleurs leur autonomie. Disciple de la peinture informelle comme celle de l’Action Painting ou le Dripping de Pollock, et proche du mouvement CoBrA, il développera par la suite ses peintures comme de véritables petites constructions à l’aide de ciment, de poudre de craie, de vernis et de pigment pour créer des œuvres tridimensionnelles aux couleurs vives et primaires.

Jef Verheyen

De waarheid is nooit dezelfde, 1975

Acriel op doek

Jef Verheyen (Antwerpen, 1932 – 1984) is een schilder die zijn hele leven de kleur- en lichtschakeringen heeft bestudeerd. Zijn beginperiode wordt gekenmerkt door krachtige en abstracte gebaren. Later tracht hij de hand van de schilder te camoufleren om de kleur beter tot uiting te laten komen. Hij maakte schilderijen in series van doorschijnend email om tot een subtiele kleurengradatie te komen, laag na laag, in navolging van de oude Vlaamse meesters. Zijn schilderijen zijn echter gemaakt op basis van water, in tegenstelling tot het gebruik van traditionele olieverf van de meesters. Dankzij deze techniek kon hij een schilderij maken zonder begin of einde.

Jef Verheyen

La vérité n’est jamais la même, 1975

Acrylique sur toile

Jef Verheyen (Itegem, 1932-1984) est un peintre qui a passé toute sa carrière à étudier les subtilités de la couleur et de la lumière. Il avait entamé sa pratique par une gestuelle vigoureuse et abstraite, il a ensuite essayé de cacher la « patte » du peintre pour laisser la couleur s’exprimer seule. Il a construit ses peintures en série d’émaux translucides pour atteindre une gradation subtile des couleurs, à la manière des anciens maîtres flamands ; couche après couche. Cependant, ses peintures sont à base d’eau, en opposition à l’utilisation traditionnelle de peinture à l’huile chez ceux-ci. Cette technique lui permettait de créer une peinture sans fin ni commencement.

Dries Van Noten

Conny, Royo, Sabeth

Lente Zomer 2011

Courtesy Modemuseum Antwerpen

Dries Van Noten (Antwerpen, 1958) is een succesvol Belgisch modeontwerper en een van de spilfiguren van de Zes van Antwerpen. In 1981 verlaat hij de Antwerpse Academie, samen met Ann Demeulemeester, Dirk Van Saene en Walter Van Beirendonck, die we al eerder in de tentoonstelling konden bewonderen. In 1989 opent hij in Antwerpen zijn eerste boetiek, “Het Modepaleis”. Zijn werk wordt gekenmerkt door – dikwijls etnisch getinte – prints op originele en edele stoffen voor een elegante en enigszins gedurfde vrouwelijke garderobe. Deze twee stukken komen uit zijn zomercollectie van 2011. Hij liet zich rechtstreeks inspireren door het kleureneffect van Jef Verheyen. Door de techniek van de kleurenschakering van de schilder op de delicate stoffen van deze kledingstukken toe te passen, heeft Van Noten zichtbaar een nieuwe manier gevonden om het licht in het werk van de schilder op te vangen. De schilder had trouwens gezegd dat “zien” voor hem vooral gelijkstond met “gewaarworden”.

Dries Van Noten

Conny, Royo, Sabeth

Printemps Été 2011

Courtesy ModeMuseum Antwerpen

Dries Van Noten (Anvers, 1958) est un créateur de mode belge dont le succès n’est plus à démontrer, il est l’une des figures majeures du groupe des Six d’Anvers. Sorti de l’Académie d’Anvers en 1981 – à la même période qu’ Ann Demeulemeester, Dirk Van Saene et Walter Van Beirendonck, rencontrés ailleurs dans l’exposition – il ouvrira dans la même ville sa première boutique en 1989, Het Modepaleis. Son travail se caractérise par une utilisation savante d’imprimés, souvent d’inspiration ethnique, sur des matières originales et nobles pour un vestiaire féminin élégant et quelque peu audacieux. Les deux silhouettes présentées ici sont issues de sa collection pour l’été 2011. Il s’est directement inspiré du travail de la couleur réalisé par Jef Verheyen. Transposant son travail de dégradé sur les matières délicates de ces tenues, il semble avoir apporté une nouvelle manière de capter la lumière au travail du peintre, permettant ensuite de s’en habiller pour mieux la ressentir encore. Le peintre avait d’ailleurs dit : « Pour moi, voir c’est avant tout ressentir ».

Dries Van Noten

Conny, Royo, Sabeth

Lente Zomer 2011

Courtesy Modemuseum Antwerpen

Dries Van Noten (Antwerpen, 1958) is een succesvol Belgisch modeontwerper en een van de spilfiguren van de Zes van Antwerpen. In 1981 verlaat hij de Antwerpse Academie, samen met Ann Demeulemeester, Dirk Van Saene en Walter Van Beirendonck, die we al eerder in de tentoonstelling konden bewonderen. In 1989 opent hij in Antwerpen zijn eerste boetiek, “Het Modepaleis”. Zijn werk wordt gekenmerkt door – dikwijls etnisch getinte – prints op originele en edele stoffen voor een elegante en enigszins gedurfde vrouwelijke garderobe. Deze twee stukken komen uit zijn zomercollectie van 2011. Hij liet zich rechtstreeks inspireren door het kleureneffect van Jef Verheyen. Door de techniek van de kleurenschakering van de schilder op de delicate stoffen van deze kledingstukken toe te passen, heeft Van Noten zichtbaar een nieuwe manier gevonden om het licht in het werk van de schilder op te vangen. De schilder had trouwens gezegd dat “zien” voor hem vooral gelijkstond met “gewaarworden”.

Dries Van Noten

Conny, Royo, Sabeth

Printemps Été 2011

Courtesy ModeMuseum Antwerpen

Dries Van Noten (Anvers, 1958) est un créateur de mode belge dont le succès n’est plus à démontrer, il est l’une des figures majeures du groupe des Six d’Anvers. Sorti de l’Académie d’Anvers en 1981 – à la même période qu’ Ann Demeulemeester, Dirk Van Saene et Walter Van Beirendonck, rencontrés ailleurs dans l’exposition – il ouvrira dans la même ville sa première boutique en 1989, Het Modepaleis. Son travail se caractérise par une utilisation savante d’imprimés, souvent d’inspiration ethnique, sur des matières originales et nobles pour un vestiaire féminin élégant et quelque peu audacieux. Les deux silhouettes présentées ici sont issues de sa collection pour l’été 2011. Il s’est directement inspiré du travail de la couleur réalisé par Jef Verheyen. Transposant son travail de dégradé sur les matières délicates de ces tenues, il semble avoir apporté une nouvelle manière de capter la lumière au travail du peintre, permettant ensuite de s’en habiller pour mieux la ressentir encore. Le peintre avait d’ailleurs dit : « Pour moi, voir c’est avant tout ressentir ».

Marthe Wery

Compositie, 1971

Acriel op paneel

Marthe Wery (Brussel, 1930 – 2005) schildert en specialiseert zich in de graveerkunst. In de jaren 1980 verwerft ze internationale bekendheid door haar monochrome werken. Wery is gefascineerd door Malevitch, Mondriaan en Rothko. Ze spitst zich toe op de vervaardiging van abstracte werken waarin monochromie en herhaling overheersen, soms in de vorm van dambordpatronen, soms in de vorm van schaduwlijnen.

Marthe Wery

Composition, 1971

Acrylique sur panneau

Marthe Wery (Bruxelles, 1930-2005) est une peintre, formée à la gravure, que ses monochromes ont rendue célèbre dans les années 1980. Wery était fascinée par les expériences de Malevitch, Mondrian et Rothko. Elle s’est alors focalisée sur la production d’œuvres abstraites où le monochrome et les répétitions dominent sous forme de damiers et de trames lignées, pour unir la surface. « Tout mon travail, disait-elle, est une recherche élémentaire de vivre la surface. Élémentaire, c’est-à-dire rechercher l’essentiel par son minimum ». Sa couleur de prédilection était le rouge mais elle a également exploré le vert et le bleu dans son travail. L’œuvre Composition de 1971 révèle une utilisation en répétition des couleurs comme le noir et le blanc, qui se transforment en gris à certains endroits du tableau. À partir de 1985, elle a eu de nombreuses commandes publiques dont la station de métro Albert à Bruxelles.

Victor Servranckx

Opus 8/24 – Musique heroïque, 1924

Olie op doek

Victor Servranckx (Diegem, 1897 – 1965) is een abstract schilder die muzikale composities en symmetrische structuren realiseert. In dit geval verwijzen geometrische vormen naar een industrieel universum van sobere tinten, opgevrolijkt met felle kleuren. U kunt hierin een synthetische integratie van bepaalde kubistische en futuristische elementen waarnemen, en tegelijk roept het werk een specifieke atmosfeer op die hem eigen was.

Victor Servranckx

Opus 8/24 - Musique héroïque, 1924

Huile sur toile

Victor Servranckx (Diegem, 1897-1965) est un peintre abstrait qui a développé des compositions musicalistes et des structures symétriques après la Seconde Guerre mondiale. Ces œuvres portent souvent le nom d’opus comme celle-ci, Opus 8/24 - Musique héroïque, dont les formes géométriques suggèrent un univers industriel de couleurs sobres rehaussées de couleurs vives. L’artiste y a appliqué un dégradé partant du gris clair vers un rouge vif. On peut y percevoir une intégration synthétique de certains éléments du cubisme et du futurisme.

Pierre-Louis Flouquet

Grande féminité – Série 1, n°2, 1922

Olie op doek

Pierre-Louis Flouquet (Parijs, 1900 – 1967) is een schilder en dichter. Aan het begin van zijn carrière neigt hij eerder naar het kubisme en in de jaren twintig evolueert hij naar het abstracte. Zijn vertonen een spel van contrasten tussen vormen met afgeronde grenslijnen en vlakken en figuren die, alhoewel gestileerd, toch waarneembaar blijven. In “Grande féminité - Série 1, n° 2”, laat het contrast tussen helle en donkere kleuren de gestileerde vrouwenfiguur beter tot haar recht komen.

Pierre-Louis Flouquet

Grande féminité - Série 1, n° 2, 1922

Huile sur toile

Pierre-Louis Flouquet (Paris, 1900-1967), peintre et poète, a étudié à l’Académie des Beaux-Arts de Bruxelles. Il a débuté sa carrière par le cubisme et s’est ensuite tourné vers l’abstraction dans les années vingt. En 1922, il collabore à la revue 7 Arts. Les tableaux qu’il crée sont alors des jeux de contrastes opposant des formes aux limites arrondies à des plans et à des figures, qui, malgré leur stylisation, restent perceptibles. Tel est le cas de Grande féminité - Série 1, no 2 où une figure féminine stylisée au premier plan peut être perçue. Les formes colorées derrière cette figure la mettent en exergue grâce au contraste de couleurs claires et foncées. Flouquet a abandonné la peinture dans les années 1930 pour se consacrer à l’écriture.

Jo Delahaut

Uiteengespat, 1956

Olie op doek

Jo Delahaut (Vottem, 1911 – 1992) is een van de sleutelfiguren van de geometrische abstractie in België. Hij stapt volledig af van de traditionele kunst, die hij als voorbijgestreefd beschouwd, en maakt statische geometrische vormen waar de kleur van de oppervlakken de hoofdrol speelt. Deze vormen worden naast elkaar geplaatst en tegelijk onderverdeeld. U voelt de spanning die wordt weergegeven door het samendrukken van deze vormen: ze lijken afgebakend door de omlijsting.

Jo Delahaut

Éclatée, 1956

Huile sur toile

Jo Delahaut (Vottem, 1911-1992) est l’une des figures emblématiques de l'abstraction géométrique en Belgique. Il se forme à l’Académie des Beaux-Arts de Liège, où il débute en peignant des œuvres figuratives dans l’esprit fauve. Ce n’est qu’après la guerre qu’il évoluera vers l’abstraction. Delahaut compose alors des formes géométriques statiques où la couleur de surfaces joue le rôle principal. Il ne laisse plus aucune trace à l’art traditionnel qu’il considère révolu. Les formes se juxtaposent et se subdivisent en un même temps. On peut y ressentir la tension représentée par la compression de ces formes, comme délimitées par le cadre.

Jo Delahaut

Noir - bleu, 1965

Olie op doek

Jo Delahaut (Vottem, 1911 – 1992) is een van de sleutelfiguren van de geometrische abstractie in België. Hij stapt volledig af van de traditionele kunst, die hij als voorbijgestreefd beschouwd, en maakt statische geometrische vormen waar de kleur van de oppervlakken de hoofdrol speelt. Deze vormen worden naast elkaar geplaatst en tegelijk onderverdeeld. U voelt de spanning die wordt weergegeven door het samendrukken van deze vormen: ze lijken afgebakend door de omlijsting.

Jo Delahaut

Noir - bleu, 1965

Huile sur toile

Jo Delahaut (Vottem, 1911-1992) est l’une des figures emblématiques de l'abstraction géométrique en Belgique. Il se forme à l’Académie des Beaux-Arts de Liège, où il débute en peignant des œuvres figuratives dans l’esprit fauve. Ce n’est qu’après la guerre qu’il évoluera vers l’abstraction. Delahaut compose alors des formes géométriques statiques où la couleur de surfaces joue le rôle principal. Il ne laisse plus aucune trace à l’art traditionnel qu’il considère révolu. Les formes se juxtaposent et se subdivisent en un même temps. On peut y ressentir la tension représentée par la compression de ces formes, comme délimitées par le cadre.

Marie-Sophie Beinke

Exclusieve creatie, 2016

Marie-Sophie Beinke (München, 1990) is een jonge, gelauwerde modeontwerpster die in 2015 afstudeert aan de Antwerpse Modeacademie. De visuele kunsten, meer bepaald de schilder- en beeldhouwkunst, zijn voor haar altijd een inspiratiebron geweest. In haar mastercollectie laat ze zich leiden door het oeuvre van de Duitse expressionistische schilder Ernst Ludwig Kirchner. Ze ontwerpt een collectie waar geometrische elementen en felle kleuren naast elkaar bestaan in een vrolijk georkestreerd tumult. In het kader van dit project, kon ze haar creatieve bezieling botvieren. Haar keuze viel op “Opus 8/24 – Musique héroïque” van Victor Servranckx en “Grande féminité - Série 1, n° 2” van Pierre-Louis Flouquet. Ze heeft vervolgens rechtstreeks op de geweven stof van haar silhouet motieven en kleuren geschilderd die de schilderijen in haar oproepen.

Marie-Sophie Beinke

Création originale, 2016

Marie-Sophie Beinke (Munich, 1990) est une jeune créatrice de mode sortie de l’Académie d’Anvers en 2015 qui cumule les honneurs. En 2014, elle a reçu le Future Fashion Designer Scholarship, la première bourse de Honest by, le label 100% transparent et éthique de Bruno Pieters. En 2015, elle a reçu le prix du MoMU et le prix Christine Mathys, donné par Dries van Noten. Les arts visuels, plus particulièrement la peinture et la sculpture, ont toujours été une source d’inspiration pour elle. Pour sa collection de master, elle avait été inspirée par le travail du peintre expressionniste allemand Ernst Ludwig Kirchner, créant une collection où éléments géométriques et couleurs vives se côtoyaient en un joyeux tohu-bohu orchestré. Belfius lui a donné l’occasion ici de donner libre court à son élan créatif. Le choix de Marie-Sophie Beinke s’est porté sur deux tableaux de la Belfius Art Collection : un Victor Servranckx, Opus 8/24 - Musique héroique et Grande féminité - Série 1, no 2 de Pierre-Louis Flouquet. Marie-Sophie Beinke a ensuite peint directement sur le tissu de sa silhouette des motifs et des couleurs évoquant ces tableaux.

Jan Dries

Mummie van het heden, 1969

Marmer

Jan Dries (Mol, 1925 – 2014) is een beeldhouwer die nauw aanleunt bij de groep ZERO in Duitsland en zelfs bij de groep NUL in Nederland. Beide groepen, actief in de jaren ‘50 en ‘60, wilden zich in het riskante avontuur storten door vorm te geven aan de universaliteit. Dit door te spelen met het licht en zijn dynamiek. Jan Dries was als beeldhouwer geboeid door de meditatieve eigenschappen van de kunst. Met steen, vooral marmer uit Carrara, creëert hij zijn “Meditatieve stenen”. Met eenvoudige, organische en monochrome vormen zoekt hij naar een optimaal spel tussen licht en donker. Dit antropomorfische werk lijkt, door de onweerstaanbare tactiele charme, een vorm in wording op te roepen, net als de belofte van een onderdrukte energievorm. Jan Dries zou gezegd hebben een kosmisch gevoel te willen opwekken met zijn werk, en de mens met het eindeloze te willen confronteren.

Jan Dries

Momie du présent, 1969

Marbre

Jan Dries (Mol, 1925-2014) est un sculpteur qui a développé un travail que l’on peut rapprocher du groupe ZERO en Allemagne ou encore du groupe NUL aux Pays-Bas. Actifs dans les années 50 et 60, ces groupes se lançaient dans l’entreprise aventureuse de donner des formes à l’universalité, par un travail de la lumière et de sa dynamique. Jan Dries était un sculpteur fasciné par les propriétés méditatives de l’art. Avec la pierre, plus particulièrement avec le marbre de Carrare, il créait ses « Pierres de méditation » en cherchant avec une forme simple, organique et monochrome à donner la part belle au jeu de lumière sur celle-ci. Au charme irrésistible tactile, cette œuvre anthropomorphique semble évoquer une forme en devenir, comme la promesse d’une énergie contenue. Jan Dries aurait d’ailleurs déclaré vouloir apporter avec son travail un sens cosmique, confronter l’homme à une dimension d’infini.

Léon Spilliaert

Fontein in de sneeuw, 1929

Tekening

Léon Spilliaert (Oostende, 1881 – 1946) begint zijn artistieke loopbaan nadat hij bewogen wordt door innerlijke onzekerheid. Zijn werken onthullen dan zijn eigen visie op de wereld, een visie waarin hij de werkelijkheid lichtjes vervormt en er een fantastische en hallucinante sfeer aan verleent. Vanaf 1916 vindt hij sereniteit dankzij zijn huwelijk en de geboorte van zijn dochtertje. Het gebruik van nieuwe kleuren en een hernieuwd optimisme kenmerken vanaf dan zijn werk. Hij maakt om zo te zeggen nooit gebruik van olieverf voor zijn werken, maar geeft de voorkeur aan het potlood, houtskool of pastel.

Léon Spilliaert

Fontaine sous la neige, 1929

Dessin

Léon Spilliaert (Ostende, 1881-1946) débute sa carrière artistique en étant mû par une inquiétude intérieure. Ses œuvres dévoilent alors sa propre vision du monde, vision dans laquelle il transforme légèrement la réalité pour lui conférer une atmosphère fantastique et hallucinante. À partir de 1916, son mariage et la naissance de sa fille lui apportent la sérénité. L’usage de nouvelles couleurs ainsi qu’un optimisme nouveau marquent dès lors son travail. Il n’utilise pour ainsi dire jamais la peinture à l’huile pour ses réalisations, lui préférant le crayon, le fusain ou encore le pastel.

Mélanie Géray

La robe verte 01, 2010

Gravure manière noire

Mélanie Géray (1980) bedacht haar eigen kenmerkend intimistisch en nostalgisch universum. Centraal overheersen de verwezenlijkingen die de klassieke verhalen uit onze kindertijd oproepen. Alice in Wonderland, Assepoester en feeën komen overal in haar werk voor. Hoewel zij eveneens kleine beeldjes vervaardigt, gaat haar voorkeur uit naar de techniek van het etsen. Voor de tentoongestelde werken heeft de kunstenares gebruikgemaakt van de zgn. zwarte kunst of mezzo-tinto. Die methode zorgt voor een heel bijzondere sfeer, doordrongen van charme; zij omringt de vormen en figuren met een warme schaduw en combineert die met een grote variatie aan tinten.

Mélanie Géray

La robe verte 01, 2010

Gravure manière noire

Mélanie Géray (1980) a créé un univers intimiste et nostalgique qui lui est propre. Au cœur de celui-ci, règnent des réalisations évoquant les contes classiques de notre enfance. Alice au pays des merveilles, Cendrillon ainsi que les fées résonnent à travers ses œuvres. Bien qu’elle réalise également des figurines, la gravure est sa technique de prédilection. Pour les œuvres exposées, l’artiste a eu recours à la manière noire ou mezzo-tinto. Cette méthode crée une atmosphère particulière, empreinte de charme, elle entoure les formes et les personnages d’une ombre chaude tout en jouant sur une grande variété de teintes.

Mélanie Géray

La robe verte 02, 2010

Gravure manière noire

Mélanie Géray (1980) bedacht haar eigen kenmerkend intimistisch en nostalgisch universum. Centraal overheersen de verwezenlijkingen die de klassieke verhalen uit onze kindertijd oproepen. Alice in Wonderland, Assepoester en feeën komen overal in haar werk voor. Hoewel zij eveneens kleine beeldjes vervaardigt, gaat haar voorkeur uit naar de techniek van het etsen. Voor de tentoongestelde werken heeft de kunstenares gebruikgemaakt van de zgn. zwarte kunst of mezzo-tinto. Die methode zorgt voor een heel bijzondere sfeer, doordrongen van charme; zij omringt de vormen en figuren met een warme schaduw en combineert die met een grote variatie aan tinten.

Mélanie Géray

La robe verte 02, 2010

Gravure manière noire

Mélanie Géray (1980) a créé un univers intimiste et nostalgique qui lui est propre. Au cœur de celui-ci, règnent des réalisations évoquant les contes classiques de notre enfance. Alice au pays des merveilles, Cendrillon ainsi que les fées résonnent à travers ses œuvres. Bien qu’elle réalise également des figurines, la gravure est sa technique de prédilection. Pour les œuvres exposées, l’artiste a eu recours à la manière noire ou mezzo-tinto. Cette méthode crée une atmosphère particulière, empreinte de charme, elle entoure les formes et les personnages d’une ombre chaude tout en jouant sur une grande variété de teintes.

Ann Demeulemeester

Peinture cassée, Zomer 1999

Courtesy Modemuseaum Antwerpen

Ann Demeulemeester (Kortrijk, 1959) is een modeontwerpster, gekenmerkt door haar sobere stijl, herkenbaar aan de witte en zwarte tinten van een delicate, rock en dikwijls androgyne garderobe. Ze behoort tot de Zes van Antwerpen (samen met Dries Van Noten, Walter Van Beirendonck, Dirk Van Saene, Dirk Bikkembergs en Marina Yee), beschouwd als de boegbeelden van de Belgische avant-garde mode. Vanaf de jaren ‘80 oogsten ze internationaal succes. Haar silhouet “Peinture cassée” verwijst, door de drapering en sculpturale uitstraling, naar de antieke marmeren sculpturen, die als het ware versteend zijn in hun beweging. Dit ensemble maakt deel uit van haar zomercollectie van 1999, het jaar waarin ze in Antwerpen haar eerste boetiek opende.

Ann Demeulemeester

Peinture cassée - Été 1999

Courtesy ModeMuseum Antwerpen

Ann Demeulemeester (Courtrai, 1959) est une créatrice de mode au style minimaliste, reconnaissable par son usage presque exclusif des tons blancs et noirs pour une garde-robe délicate, rock et souvent androgyne. Elle fait notamment partie des Six d’Anvers (aux côtés de Dries Van Noten, Walter Van Beirendonck, Dirk Van Saene, Dirk Bikkembergs et Marina Yee) considérés comme les figures de proue de l’avant-garde de la mode belge et ayant obtenu un succès international dès les années 1980. Sa silhouette qui porte le nom de Peinture cassée évoque ici, de par son drapé et son aura sculpturale, les sculptures antiques taillées à même le marbre, comme pétrifiées dans leur mouvement. Cet ensemble fait partie de sa collection pour l’été 1999, l’ année qui verra l’ouverture de sa première boutique à Anvers.

Paul Delvaux

De stad bij dageraad, 1940

Olie op doek

Paul Delvaux (Antheit, 1897 – 1994) is een spilfiguur in de geschiedenis van de Belgische schilderkunst. De irreële wereld die hij schept is zo apart dat hij zich van bij de eerste blik onderscheidt van alle andere schilders. Zoals in dit werk, een plek waar de tijd is blijven stilstaan en gedaantes van naakte vrouwen verstijfd rondlopen in een intrigerend plechtig kader. In het onwezenlijke universum van een an-tieke stad onder een nachtelijke hemel proberen drie naakte vrouwen een tengere jongeman te verleiden, maar hij wendt zich af en maakt een afwijzend gebaar. De afstandelijke jongeman is niemand minder dan Paul Delvaux zelf. “De stad bij dageraad” (1940) bevat nog een tweede zelfportret: in het midden van het tafereel staat de schilder, alsof hij zijn eigen droom is binnengestapt. We nodigen u uit de blikken van deze figuren te volgen.

Paul Delvaux

L’aube sur la ville, 1940

Huile sur toile

Paul Delvaux (Antheit, 1897-1994) marque l’histoire de la peinture belge pour avoir composé un univers irréel si singulier qu’il se distingue d’entre tous au premier regard. Il est important de noter que, bien que qualifié de surréaliste, il n’a jamais pour autant adhéré au mouvement. C’est après quelques essais postimpressionnistes et expressionnistes, qu’il a composé une œuvre à l’unité forte représentant souvent comme ici, un lieu au temps suspendu, où des silhouettes de femmes dénudées évoluent figées dans une solennité intrigante. Dans l’univers fantasmagorique d’une cité antique, sous un ciel nocturne, trois femmes nues tentent de séduire un jeune homme fluet, qui se détourne et fait un geste de refus. Le jeune homme distant n’est autre que Paul Delvaux lui-même. Un thème récurrent dans ses œuvres est la relation problématique entre les sexes. L’Aube sur la ville (1940) comporte un second autoportrait: au milieu de la toile, le peintre est entièrement habillé, la palette et le pinceau à la main, comme s’il avait pénétré dans son propre rêve.

Marcel Lefrancq

La loi des coïncidences, 1948

Fotografie

Marcel Lefrancq (Bergen, 1916 – 1974), fotograaf en maker van surrealistische collages, maakt foto’s als ensceneringen. Daarvoor gebruikt hij een mix van erotiek, vervreemding en associaties van niet-passende elementen. Lefrancq is erg politiek geëngageerd, tot 1944 was hij lid van het verzet en later van de revolutionaire surrealis-tische groep. Samen met Armand Simon sticht hij eerst de “Groupe surréaliste en Hainaut” en, later, in 1947 te Bergen de groep “Haute Nuit”.

Marcel Lefrancq

La loi des coïncidences, 1948

Photographie

Marcel Lefrancq (Mons, 1916-1974) photographe et collagiste surréaliste, il compose ses photographies comme des mises en scène, développant une pratique où se mêlent érotisme, étrangeté et associations d’éléments incongrus. Il sera très engagé politiquement, s’impliquant dans la résistance jusqu’en 1944 et ensuite auprès du Groupe surréaliste révolutionnaire. Proche d’Armand Simon, il fondera avec lui le Groupe surréaliste en Hainaut et plus tard en 1947, le groupe Haute Nuit à Mons.

Marcel Lefrancq

Haunted eyes, 1948

Fotografie

Marcel Lefrancq (Bergen, 1916 – 1974), fotograaf en maker van surrealistische collages, maakt foto’s als ensceneringen. Daarvoor gebruikt hij een mix van erotiek, vervreemding en associaties van niet-passende elementen. Lefrancq is erg politiek geëngageerd, tot 1944 was hij lid van het verzet en later van de revolutionaire surrealis-tische groep. Samen met Armand Simon sticht hij eerst de “Groupe surréaliste en Hainaut” en, later, in 1947 te Bergen de groep “Haute Nuit”.

Marcel Lefrancq

Haunted eyes, 1948

Photographie

Marcel Lefrancq (Mons, 1916-1974) photographe et collagiste surréaliste, il compose ses photographies comme des mises en scène, développant une pratique où se mêlent érotisme, étrangeté et associations d’éléments incongrus. Il sera très engagé politiquement, s’impliquant dans la résistance jusqu’en 1944 et ensuite auprès du Groupe surréaliste révolutionnaire. Proche d’Armand Simon, il fondera avec lui le Groupe surréaliste en Hainaut et plus tard en 1947, le groupe Haute Nuit à Mons.

Armand Simon

Holocauste (Serie “Au galop des veilleurs muets”), 1976

Lithografie

Armand Simon (Pâturages, 1906 – 1981) is een surrealistisch tekenaar die er een marginale levenswijze op nahoudt, politiek kleurloos is en erotiek op een ietwat zonderlinge en verontrustende manier benadert. Hij laat zich inspireren door het boek “Les Chants de Maldoror”, dat hij in 1923 ontdekt en waarvan hij talrijke illustraties zal maken. De dichtbundel van Comte de Lautréamont wordt beschouwd als hét werk dat het surrealisme als stroming aankondigt, zowel in België als in Frankrijk.

Armand Simon

Holocauste (Série « Au galop des veilleurs muets »), 1976

Lithographie

Armand Simon (Pâturages, 1906-1981) est un dessinateur surréaliste, reconnu pour sa marginalité, son apolitisme et pour son approche de l’érotisme teintée d’une inquiétante étrangeté. Il sera grandement inspiré par Les chants de Maldoror qu’il découvre en 1923 et dont il réalisera de nombreuses illustrations. Ce livre écrit par le comte de Lautréamont se décrit comme un « fruit amer sans danger » et conte certains épisodes de la vie d’un personnage maléfique, Maldoror. Ce recueil poétique sera revendiqué comme le livre précurseur du mouvement surréaliste, aussi bien en Belgique qu’en France. Armand Simon fondera le Groupe surréaliste en Hainaut avec ses amis Marcel Lefrancq, Achille Chavée et Fernand Dumont, et plus tard en 1947, le groupe Haute Nuit à Mons.

Armand Simon

Regard de la nuit (Serie “Au galop des veilleurs muets”), 1976

Lithografie

Armand Simon (Pâturages, 1906 – 1981) is een surrealistisch tekenaar die er een marginale levenswijze op nahoudt, politiek kleurloos is en erotiek op een ietwat zonderlinge en verontrustende manier benadert. Hij laat zich inspireren door het boek “Les Chants de Maldoror”, dat hij in 1923 ontdekt en waarvan hij talrijke illustraties zal maken. De dichtbundel van Comte de Lautréamont wordt beschouwd als hét werk dat het surrealisme als stroming aankondigt, zowel in België als in Frankrijk.

Armand Simon

Regard de la nuit (Série « Au galop des veilleurs muets »), 1976

Lithographie

Armand Simon (Pâturages, 1906-1981) est un dessinateur surréaliste, reconnu pour sa marginalité, son apolitisme et pour son approche de l’érotisme teintée d’une inquiétante étrangeté. Il sera grandement inspiré par Les chants de Maldoror qu’il découvre en 1923 et dont il réalisera de nombreuses illustrations. Ce livre écrit par le comte de Lautréamont se décrit comme un « fruit amer sans danger » et conte certains épisodes de la vie d’un personnage maléfique, Maldoror. Ce recueil poétique sera revendiqué comme le livre précurseur du mouvement surréaliste, aussi bien en Belgique qu’en France. Armand Simon fondera le Groupe surréaliste en Hainaut avec ses amis Marcel Lefrancq, Achille Chavée et Fernand Dumont, et plus tard en 1947, le groupe Haute Nuit à Mons.

Armand Simon

Vertige (Serie “Au galop des veilleurs muets”), 1976

Lithografie

Armand Simon (Pâturages, 1906 – 1981) is een surrealistisch tekenaar die er een marginale levenswijze op nahoudt, politiek kleurloos is en erotiek op een ietwat zonderlinge en verontrustende manier benadert. Hij laat zich inspireren door het boek “Les Chants de Maldoror”, dat hij in 1923 ontdekt en waarvan hij talrijke illustraties zal maken. De dichtbundel van Comte de Lautréamont wordt beschouwd als hét werk dat het surrealisme als stroming aankondigt, zowel in België als in Frankrijk.

Armand Simon

Vertige (Série « Au galop des veilleurs muets »), 1976

Lithographie

Armand Simon (Pâturages, 1906-1981) est un dessinateur surréaliste, reconnu pour sa marginalité, son apolitisme et pour son approche de l’érotisme teintée d’une inquiétante étrangeté. Il sera grandement inspiré par Les chants de Maldoror qu’il découvre en 1923 et dont il réalisera de nombreuses illustrations. Ce livre écrit par le comte de Lautréamont se décrit comme un « fruit amer sans danger » et conte certains épisodes de la vie d’un personnage maléfique, Maldoror. Ce recueil poétique sera revendiqué comme le livre précurseur du mouvement surréaliste, aussi bien en Belgique qu’en France. Armand Simon fondera le Groupe surréaliste en Hainaut avec ses amis Marcel Lefrancq, Achille Chavée et Fernand Dumont, et plus tard en 1947, le groupe Haute Nuit à Mons.

Armand Simon

Partance (Serie “Au galop des veilleurs muets”), 1976

Lithografie

Armand Simon (Pâturages, 1906 – 1981) is een surrealistisch tekenaar die er een marginale levenswijze op nahoudt, politiek kleurloos is en erotiek op een ietwat zonderlinge en verontrustende manier benadert. Hij laat zich inspireren door het boek “Les Chants de Maldoror”, dat hij in 1923 ontdekt en waarvan hij talrijke illustraties zal maken. De dichtbundel van Comte de Lautréamont wordt beschouwd als hét werk dat het surrealisme als stroming aankondigt, zowel in België als in Frankrijk.

Armand Simon

Partance (Série « Au galop des veilleurs muets »), 1976

Lithographie

Armand Simon (Pâturages, 1906-1981) est un dessinateur surréaliste, reconnu pour sa marginalité, son apolitisme et pour son approche de l’érotisme teintée d’une inquiétante étrangeté. Il sera grandement inspiré par Les chants de Maldoror qu’il découvre en 1923 et dont il réalisera de nombreuses illustrations. Ce livre écrit par le comte de Lautréamont se décrit comme un « fruit amer sans danger » et conte certains épisodes de la vie d’un personnage maléfique, Maldoror. Ce recueil poétique sera revendiqué comme le livre précurseur du mouvement surréaliste, aussi bien en Belgique qu’en France. Armand Simon fondera le Groupe surréaliste en Hainaut avec ses amis Marcel Lefrancq, Achille Chavée et Fernand Dumont, et plus tard en 1947, le groupe Haute Nuit à Mons.

Dirk Van Saene

Heidi & Petite, Herfst Winter 2008-2009

Courtesy Modemuseaum Antwerpen

Dirk Van Saene (Leuven, 1959) is een modeontwerper die net als Ann Demeulemeester deel uitmaakt van de Zes van Antwerpen. Hij stamt uit een kunstenaarsfamilie en beperkt zich niet alleen tot mode, maar – gedreven door zijn verbeelding – maakt hij, nogal verrassend, ook tapijten, keramiek en allerlei accessoires (iets verderop in de tentoonstelling kunt u een van zijn accessoires bewonderen). Hij is ook actief als schilder, wat hem ten goede komt bij zijn modeontwerpen: ofwel schildert hij rechtstreeks op het kledingstuk ofwel maakt hij een print die op het textiel wordt aangebracht. Zijn twee stukken, “Heidi” en “Petite”, zijn trompe-l’oeil, een techniek die de surrealisten ruimschoots toepassen. Van Saene brengt niet alleen een eerbetoon aan deze techniek, maar maakt ook een herinterpretatie van de toenmalige vestimentaire stijl. Vooral van de creaties van Elsa Schiaparelli, die haar stempel op de jaren 1920 heeft gedrukt.

Dirk Van Saene

Heidi & Petite, Automne Hiver 2008-2009

Courtesy ModeMuseum Antwerpen

Dirk Van Saene (Louvain, 1959) est un créateur de mode qui, comme Ann Demeulemeester, fait partie des Six d’Anvers. Issu d’une famille d’artistes, il ne s’exprime pas seulement par la mode, mais porté par son imagination, il surprend par la réalisation de tapis, de céramiques et d’accessoires divers (vous en découvrirez un plus loin dans l’exposition). Il développe également une pratique de peintre. Sa peinture a notamment été utilisée pour la réalisation de ses créations de mode, soit directement en application sur le vêtement, soit reproduite en impression sur le textile. Ses deux silhouettes Heidi et Petite explorent le concept du trompe-l’œil, une technique largement exploitée par les surréalistes dans leurs rendus artistiques. Plus qu’un hommage à cette technique, c’est également le style vestimentaire de l’époque que Dirk Van Saene revisite, notamment les créations d’Elsa Schiaparelli qui ont marqué les années 1920.

Thomas Lerooy

Nest, 2013

Brons en metaal

Thomas Lerooy (Roeselare, 1981) studeerde beeldhouwkunst aan de Stedelijke Academie voor Schone Kunsten van Roeselare. In zijn werk denkt hij voortdurend na over de symbolen die door de eeuwen heen hun stempel op de kunstgeschiedenis hebben gedrukt, met een voorliefde voor de klassieke beeldhouwkunst. Zijn stijl is zowel macaber als romantisch en is doorspekt met een zekere humor. “In de kunst zoek je altijd je plaats. In een museum zijn er zaken die in de smaak vallen en andere die je afkeurt, andere waarmee je je kunt vereenzelvigen. Hetzelfde geldt voor de historische beelden die ik gebruik. Ze staan in onze geheugens gegrift en worden dus als normaal beschouwd”. “Nest” (2012) is een sculptuur van gelakt, gegoten brons. Het stelt een jongetje voor dat in een net van touwen met zijn rug naar het publiek hangt. Hij houdt een vinger aan de mond, alsof hij in zijn lot berust. Een humoristische verwijzing naar een anekdotische symboliek, wetende dat belangrijke dingen opge-hangen worden zodat ze niet vergeten zouden worden. Lerooy benadrukt hiermee het spanningsveld tussen het warme, veilige “nest” en het akelige gevoel van eenzaamheid en verlatenheid.

Thomas Lerooy

Nest, 2012

Bronze et métal

Thomas Lerooy (Roulers, 1981) a étudié la sculpture à l’Académie des Beaux-Arts de Roulers. Sa pratique est une réflexion sur les symboles qui ont ponctué l’histoire de l’art en tout temps, avec une prédilection pour la statuaire classique. Son style est à la fois macabre, romantique et mâtiné d’un certain humour. « En art, tu recherches toujours ta place. Dans un musée, il y a des choses que tu aimes et d’autres que tu rejettes ; certaines avec lesquelles tu peux t’identifier. La même chose s’applique aux images historiques que j’utilise. Elles sont gravées dans nos mémoires et ont donc acquis un sens de normalité ». Nest est une sculpture faite de bronze coulé et peint, qui montre un petit garçon recroquevillé, maintenu en suspension par des cordes, le dos tourné aux spectateurs. Il tient un doigt devant la bouche, comme s’il acceptait avec résignation son sort. Une référence humoristique à un symbolisme anecdotique, sachant que les objets importants sont accrochés bien en vue pour ne pas être oubliés. Lerooy explore ici la frontière entre l’idée de « nid », chaud et sécurisant, et le sentiment dérangeant de solitude et d’abandon.

Doriane Van Overeem

Exclusieve creatie, 2016

Doriane Van Overeem (Brussel, 1990) is een jonge modeontwerpster die in 2013 afstudeerde aan La Cambre. Ze werkt een tijdje als assistente van Bernhard Willhelm voor ze in 2014 haar eigen eponiem op de markt brengt. Ze beoefent een chique grungestijl, flirt met punk en paillette en neemt een duidelijk standpunt in, pro vrouwen. Dat blijkt ook uit de titels die ze aan haar collecties geeft: “Fatherfucker’s Queen”, “Porn Is For Girls Too” en “Don’t Tell Me to Calm Down”. Ze verrast door het gebruik van onverwachte stoffen in haar composities en deinst er helemaal niet voor terug om kleur te gebruiken. Doriane Van Overeem heeft een origineel silhouet gecreëerd, rechtstreeks geïnspireerd op “Nest” van Thomas Lerooy. Ze legt er haar eigen visie in, waarbij ze de spijker ziet als de maatschappij die de vrouw in haar greep houdt en kwetsbaar maakt. Het touw geeft een veilig gevoel, maar is heel onaangenaam. Doordat ze de wereld van Lerooy leerde kennen, kreeg ze zin om een volledig zwart stuk te creëren en te spelen met texturen om zo de punkvezel die ze in het universum van de kunstenaar ontwart tot zijn recht te laten komen. Het resultaat is een silhouet dat gekenmerkt wordt door een sterke, vrouwelijke aanwezigheid, met details die wijzen op een afbouw/vernietiging en de vele nieuw toegeëigende elementen die het werk van Lerooy eren.

Doriane van Overeem

Création originale, 2016

Doriane van Overeem (Bruxelles, 1990) est une jeune créatrice de mode diplômée de La Cambre en 2013. Elle a notamment été l’assistante de Bernhard Willhelm pendant un temps avant de lancer sa propre marque éponyme en 2014. Pratiquant un style grunge chic, elle flirte avec le punk et la paillette pour prendre position avec force pour les femmes, comme le dénotent les titres donnés à ses collections ; Fatherfucker’s Queen, Porn Is For Girls Too et Don’t Tell Me to Calm Down. Elle surprend par l’utilisation de matière inattendue dans ses compositions, et n’hésite pas non plus à faire usage de la couleur avec une audace acidulée. Doriane van Overeem a réalisé une silhouette originale directement inspirée de l’œuvre Nest de Thomas Lerooy. Elle y a transposé sa vision, traduisant le clou par la société dont la femme dépend et où elle demeure figée, dans une position fragile. La corde est sécurisante, mais terriblement inconfortable. L’univers de Lerooy lui a donné envie de créer une pièce totalement noire et de jouer sur les textures pour faire ressortir la fibre punk qu’elle décèle dans l’univers de l’artiste. Le résultat est une silhouette qui impose une présence forte et féminine, aux détails dénotant une déconstruction/destruction, comme autant de réappropriations d’éléments, qui rendent hommage à l’œuvre de Lerooy.

Antoine Mortier

La Mariée, 1952

Waterverf op papier

Antoine Mortier (Brussel, 1908 – 1999)wordt beschouwd als een van de vaandeldragers van de lyrische abstractie in België. Hij realiseerde een aanzienlijk en veelzijdig oeuvre op groot formaat. Met een spontaan gebaar ontsluiert hij zijn innerlijke wereld, uitgebreid geschilderd en geschetst op doek en papier. Met een fijngevoelige wilskracht werpt hij zich in zijn schilderijen op als een meester van de beweging en snelheid. De onderwerpen die hij kiest, ontleent hij aan zijn dagelijkse omgeving en worden op een monumentale manier aan de dag gelegd, duidelijk in evenwicht. Erachter schuilt een intense emotie.

Antoine Mortier

La Mariée, 1952

Gouache sur papier

Antoine Mortier (Bruxelles, 1908-1999) est considéré comme l’une des figures majeures de l’abstraction lyrique en Belgique. Il a produit une œuvre importante et multiple sur grand format, où il dévoilait son monde intérieur par un geste spontané, brossé largement sur la toile et le papier. Il créait ses peintures en virtuose dans le mouvement et la rapidité, avec une énergie empreinte de délicatesse. Inspirés par son environnement quotidien, ses sujets étaient déployés de manière monumentale, dans un équilibre formel révélateur d’une émotion intense.

Alexandra Helena Leyre Mein

White peeling bark, 2001

Papier mâché en berkenschors

Alexandra Helena Leyre Mein (Brussel, 1979) probeert via haar beelden het proces van het leven te capteren en een beschrijving te geven van de strijd tussen het bewuste en het onbewuste. Zij werkt volgens een methode die zij “action sculpting” noemt. Zij vervaardigt haar werken zonder een vooraf bepaald idee van de uiteindelijke visual. Het hele idee bestaat erin spontaan te werken en zich maximaal te beperken tot de tussenkomst van haar bewustzijn. Haar beelden vertonen een onafgewerkt aspect dat kan worden geïnterpreteerd hetzij als een evolutie, hetzij als het begin van hun verval. Voor haar is dat contrast een manier om die strijd tussen het bewuste en het onbewuste te illustreren, omdat de toeschouwer zich zodoende vragen kan stellen over haar visie op de wereld.

Alexandra Helena Leyre Mein

White peeling bark, 2001

Papier mâché et écorce de bouleau

Alexandra Helena Leyre Mein (Bruxelles, 1979) tente de capturer le processus de la vie et de retracer la lutte entre conscient et inconscient à travers ses sculptures. Elle travaille selon ce qu’elle appelle « l’action sculpting ». Elle réalise ses œuvres sans avoir d’idée prédéfinie du visuel final. Toute l’idée est de travailler par spontanéité et de limiter au maximum l’intervention de sa conscience. Ses sculptures présentent un aspect inachevé qui peut être interprété soit comme une évolution, soit comme le début d’un délabrement. Pour elle, ce contraste est une manière d’illustrer ce combat conscient, inconscient tout comme il permet au spectateur de se questionner sur sa vision du monde.

Jean-Paul Lespagnard

2015

Courtesy Créahm Luik

Jean-Paul Lespagnard (Luik, 1979) is een modeontwerper die opvalt door zijn tongue in cheek-attitude, d.w.z. een zekere spot en ironie en een fascinatie voor de kitsch en folklore van ons land. U herkent zijn creaties aan de gedurfde mix van prints op silhouetten en de minutieuze snit. De stoffen die hij gebruikt, heeft hij dikwijls zelf ontwikkeld. Naar analogie met het werk van Antoine Mortier, stelt hij een eerder werk voor dat hij ontworpen heeft in samenwerking met het Créahm te Luik, een centrum dat zich toelegt op kunstvormen die door mentaal gehandicapte personen worden gerealiseerd. In dit silhouet ontdekt u het uiterst secure werk en de nauwkeurig afgelijnde strepen van Michel Petiniot (Luik, 1963), die al meer dan 20 jaar naar het Créahm komt. Michel Petiniot verzadigt de ruimte van het prototypeweefsel met deze elementaire strepen. Zo beschikt hij over een soort basisalfabet waarmee hij via een gebaar kan uitdrukken wat hem inwendig bezighoudt.

Jean-Paul Lespagnard

2015

Courtesy Créahm Liège

Jean-Paul Lespagnard (Liège, 1979) est un créateur de mode reconnu pour son attitude tongue-in cheek, en d’autres mots, une certaine irrévérence et une fascination pour le kitsch et le folklore de notre petit pays. On reconnaît sa création par un audacieux mélange d’imprimés sur des silhouettes aux coupes minutieuses, dans des matières qu’il développe souvent lui-même. Face à l’œuvre d’Antoine Mortier, il a proposé une œuvre conçue antérieurement à l’exposition, réalisée en collaboration avec le Créahm de Liège. Un lieu dont l’objectif est de déployer des formes d’art produites par des personnes handicapées mentales. Sur cette silhouette, on peut découvrir le travail minutieux et les traits rigoureusement alignés de Michel Petiniot (Liège, 1963), qui fréquente le Créahm depuis plus de 20 ans déjà. Saturant l’espace du tissu de prototypage de signes élémentaires, Michel Petiniot semble avoir constitué un alphabet de base, pour exprimer avec le geste ce qui l’anime intérieurement.

Walter Leblanc

Torsion - Twistingstrings, 1969

Katoendraad en witte latex op doek

Walter Leblanc (Antwerpen, 1932 -1986) verlegde de grenzen van de schilderkunst. In 1962 organiseerde hij zelfs een tentoonstelling “Anti-Schilderkunst”, waardoor hij aanleunde bij de internationale beweging Nouvelle Tendance en de groep NUL. Daar maakte ook beeldhouwer Jan Dries deel van uit, die ook in de tentoonstelling aan bod komt. Op zoek naar technieken om zonder pigment te schilderen, introduceerde hij in 1959 de torsie als basiselement in zijn werk. Eerst werkte hij met ineengestrengelde katoendraden en vervolgens met poly-vinylrepen die hij op traditionele dragers ordende om regelmatige motieven en eenvoudige geometrische vormen te creëren. Hij was vooral gefascineerd door beweging, zowel de illusie van beweging — de fictieve beweging van de Op-art —, als de reële, fysieke beweging van de kinetische kunst.

Walter Leblanc

Torsion - Twistingstrings, 1969

Fil de coton et latex blanc sur toile

Walter Leblanc (Anvers, 1932-1986) est un peintre qui a repoussé les limites de la peinture. Ayant même organisé en 1962 une exposition « Anti-Peinture » qui le rapprochera du mouvement international Nouvelle Tendance et du groupe ZERO, dont le sculpteur Jan Dries, croisé ailleurs dans l’exposition, faisait également partie. C’est en 1959, en quête de techniques pour peindre sans pigment, qu’il introduit la torsion dans son travail. Il torsade alors des fils de coton et ensuite des bandes de polyvinyle, qu’il dispose sur des supports traditionnels pour créer des motifs réguliers et des formes géométriques simples. Il sera avant tout intéressé par le mouvement, à la fois par l’illusion du mouvement, celui fictif de l’Op Art, et au mouvement réel, physique de l’art cinétique.

Walter Leblanc

Torsions P.F. 612 20e eeuw

Gemengde techniek - Polyvinyl linten

Walter Leblanc (Antwerpen, 1932 -1986) verlegde de grenzen van de schilderkunst. In 1962 organiseerde hij zelfs een tentoonstelling “Anti-Schilderkunst”, waardoor hij aanleunde bij de internationale beweging Nouvelle Tendance en de groep NUL. Daar maakte ook beeldhouwer Jan Dries deel van uit, die ook in de tentoonstelling aan bod komt. Op zoek naar technieken om zonder pigment te schilderen, introduceerde hij in 1959 de torsie als basiselement in zijn werk. Eerst werkte hij met ineengestrengelde katoendraden en vervolgens met poly-vinylrepen die hij op traditionele dragers ordende om regelmatige motieven en eenvoudige geometrische vormen te creëren. Hij was vooral gefascineerd door beweging, zowel de illusie van beweging — de fictieve beweging van de Op-art —, als de reële, fysieke beweging van de kinetische kunst.

Walter Leblanc

Torsions P.F. 612, 20e siècle

Technique mixte – Rubans de polyvinyle

Walter Leblanc (Anvers, 1932-1986) est un peintre qui a repoussé les limites de la peinture. Ayant même organisé en 1962 une exposition « Anti-Peinture » qui le rapprochera du mouvement international Nouvelle Tendance et du groupe ZERO, dont le sculpteur Jan Dries, croisé ailleurs dans l’exposition, faisait également partie. C’est en 1959, en quête de techniques pour peindre sans pigment, qu’il introduit la torsion dans son travail. Il torsade alors des fils de coton et ensuite des bandes de polyvinyle, qu’il dispose sur des supports traditionnels pour créer des motifs réguliers et des formes géométriques simples. Il sera avant tout intéressé par le mouvement, à la fois par l’illusion du mouvement, celui fictif de l’Op Art, et au mouvement réel, physique de l’art cinétique.

Walter Leblanc

Torsions P.F. 306 20e eeuw

Gemengde techniek - Polyvinyl linten

Walter Leblanc (Antwerpen, 1932 -1986) verlegde de grenzen van de schilderkunst. In 1962 organiseerde hij zelfs een tentoonstelling “Anti-Schilderkunst”, waardoor hij aanleunde bij de internationale beweging Nouvelle Tendance en de groep NUL. Daar maakte ook beeldhouwer Jan Dries deel van uit, die ook in de tentoonstelling aan bod komt. Op zoek naar technieken om zonder pigment te schilderen, introduceerde hij in 1959 de torsie als basiselement in zijn werk. Eerst werkte hij met ineengestrengelde katoendraden en vervolgens met poly-vinylrepen die hij op traditionele dragers ordende om regelmatige motieven en eenvoudige geometrische vormen te creëren. Hij was vooral gefascineerd door beweging, zowel de illusie van beweging — de fictieve beweging van de Op-art —, als de reële, fysieke beweging van de kinetische kunst.

Walter Leblanc

Torsions P.F. 306, 20e siècle

Technique mixte - Rubans de polyvinyle

Walter Leblanc (Anvers, 1932-1986) est un peintre qui a repoussé les limites de la peinture. Ayant même organisé en 1962 une exposition « Anti-Peinture » qui le rapprochera du mouvement international Nouvelle Tendance et du groupe ZERO, dont le sculpteur Jan Dries, croisé ailleurs dans l’exposition, faisait également partie. C’est en 1959, en quête de techniques pour peindre sans pigment, qu’il introduit la torsion dans son travail. Il torsade alors des fils de coton et ensuite des bandes de polyvinyle, qu’il dispose sur des supports traditionnels pour créer des motifs réguliers et des formes géométriques simples. Il sera avant tout intéressé par le mouvement, à la fois par l’illusion du mouvement, celui fictif de l’Op Art, et au mouvement réel, physique de l’art cinétique.

Walter Leblanc

Torsions P.F. 576 20e eeuw

Gemengde techniek - Polyvinyl linten

Walter Leblanc (Antwerpen, 1932 -1986) verlegde de grenzen van de schilderkunst. In 1962 organiseerde hij zelfs een tentoonstelling “Anti-Schilderkunst”, waardoor hij aanleunde bij de internationale beweging Nouvelle Tendance en de groep NUL. Daar maakte ook beeldhouwer Jan Dries deel van uit, die ook in de tentoonstelling aan bod komt. Op zoek naar technieken om zonder pigment te schilderen, introduceerde hij in 1959 de torsie als basiselement in zijn werk. Eerst werkte hij met ineengestrengelde katoendraden en vervolgens met poly-vinylrepen die hij op traditionele dragers ordende om regelmatige motieven en eenvoudige geometrische vormen te creëren. Hij was vooral gefascineerd door beweging, zowel de illusie van beweging — de fictieve beweging van de Op-art —, als de reële, fysieke beweging van de kinetische kunst.

Walter Leblanc

Torsions P.F. 576, 20e siècle

Technique mixte - Rubans de polyvinyle

Walter Leblanc (Anvers, 1932-1986) est un peintre qui a repoussé les limites de la peinture. Ayant même organisé en 1962 une exposition « Anti-Peinture » qui le rapprochera du mouvement international Nouvelle Tendance et du groupe ZERO, dont le sculpteur Jan Dries, croisé ailleurs dans l’exposition, faisait également partie. C’est en 1959, en quête de techniques pour peindre sans pigment, qu’il introduit la torsion dans son travail. Il torsade alors des fils de coton et ensuite des bandes de polyvinyle, qu’il dispose sur des supports traditionnels pour créer des motifs réguliers et des formes géométriques simples. Il sera avant tout intéressé par le mouvement, à la fois par l’illusion du mouvement, celui fictif de l’Op Art, et au mouvement réel, physique de l’art cinétique.

Walter Leblanc

Torsions P.F. 900 20e eeuw

Gemengde techniek - Polyvinyl linten

Walter Leblanc (Antwerpen, 1932 -1986) verlegde de grenzen van de schilderkunst. In 1962 organiseerde hij zelfs een tentoonstelling “Anti-Schilderkunst”, waardoor hij aanleunde bij de internationale beweging Nouvelle Tendance en de groep NUL. Daar maakte ook beeldhouwer Jan Dries deel van uit, die ook in de tentoonstelling aan bod komt. Op zoek naar technieken om zonder pigment te schilderen, introduceerde hij in 1959 de torsie als basiselement in zijn werk. Eerst werkte hij met ineengestrengelde katoendraden en vervolgens met poly-vinylrepen die hij op traditionele dragers ordende om regelmatige motieven en eenvoudige geometrische vormen te creëren. Hij was vooral gefascineerd door beweging, zowel de illusie van beweging — de fictieve beweging van de Op-art —, als de reële, fysieke beweging van de kinetische kunst.

Walter Leblanc

Torsions P.F. 900, 20e siècle

Technique mixte – Rubans de polyvinyle

Walter Leblanc (Anvers, 1932-1986) est un peintre qui a repoussé les limites de la peinture. Ayant même organisé en 1962 une exposition « Anti-Peinture » qui le rapprochera du mouvement international Nouvelle Tendance et du groupe ZERO, dont le sculpteur Jan Dries, croisé ailleurs dans l’exposition, faisait également partie. C’est en 1959, en quête de techniques pour peindre sans pigment, qu’il introduit la torsion dans son travail. Il torsade alors des fils de coton et ensuite des bandes de polyvinyle, qu’il dispose sur des supports traditionnels pour créer des motifs réguliers et des formes géométriques simples. Il sera avant tout intéressé par le mouvement, à la fois par l’illusion du mouvement, celui fictif de l’Op Art, et au mouvement réel, physique de l’art cinétique.

Gioia Seghers

Exclusieve creatie, 2016

Gioia Seghers (Brussel, 1988) behaalt in 2012 aan La Cambre haar masterdiploma als modeontwerpster. Met haar afstudeercollectie mocht ze al heel wat onderscheidingen in ontvangst nemen, zoals de prestigieuze “prix Dior” en de “RA Fashion Prize”. Het jaar daarop lanceert ze haar eponiem lijn. Ze bouwt een tijdloze garderobe op met een minimalistische en geraffineerde snit, geïnspireerd op de kunsten en bewegende lichamen. Bij haar reflecties over stijl vertrekt ze vooral van stoffen, voor hoe ze aanvoelen en vallen. Gioia Seghers maakte voor de tentoonstelling een origineel silhouet. Ze herkende in de torsies van Walter Leblanc elementen die ze precies voor haar Lente Zomer 2017 collectie, “Reverse Lines” aan het ontwikkelen was. Ze hecht veel belang aan de stoffen en hoe ze geweven zijn, of ze zwaar of licht wegen en hoe ze vallen. Zo kan ze vrede nemen met het idee van een sculptuur dat, eens ze gedragen wordt, wel degelijk beweging zal uitstralen.

Gioia Seghers

Création originale, 2016

Gioia Seghers (Bruxelles, 1988) est une créatrice de mode sortie de La Cambre en 2012, et qui a alors remporté plusieurs récompenses avec sa collection de fin d’études, dont le prestigieux prix Dior et le RA Fashion Prize. L’année suivante, elle décide de lancer sa ligne éponyme, composant un vestiaire intemporel, aux coupes minimalistes et raffinées, inspiré par les arts et les corps en mouvement. Les matières sont à la base de sa réflexion stylistique, pour leur sensation au toucher et leur manière de tomber. Gioia Seghers a créé une silhouette originale pour l’exposition. Elle a reconnu dans les formes torsadées de Walter Leblanc des éléments qu’elle développait justement pour sa collection printemps-été 2017, intitulée Reverse Lines. Intéressée par la matérialité des textiles, elle rapproche ici l’effet induit par ceux-ci ; leur poids et leur manière de tomber, pour concevoir l’idée d’une sculpture, qui une fois portée aura, elle, un mouvement bien réel.

Rinus Van de Velde

I’ve been in a similar position before…, 2015

Houtskool op doek

Rinus Van de Velde (Leuven, 1983) is een jonge gediplomeerde schilder van de Koninklijke Academie voor Schone Kunsten te Antwerpen. Hij studeerde aanvankelijk beeldhouwkunst, maar al snel vindt hij die studie nogal saai en gaat het voor hem te traag vooruit. Hij laat die discipline varen en kiest voor de levendige expressie van het tekenen. Tekeningen die geleidelijk aan een monumentale dimensie aannemen. Hij evolueert van het gebruik van kleur naar zwart-wit tot uitsluitend houtskool. Aan iedere tekening linkt hij een lange tekst die ook de – nogal onpraktische titel – van zijn werk wordt. De kunstenaar schetst in die teksten het fictionele universum dat gestalte geeft aan de tekening. In zijn atelier reproduceert hij situaties uit foto’s of gevonden beelden, in de vorm van toneelensceneringen in papier-maché. Pseudo-realistische taferelen waarin zijn alter ego wordt meegesleept in vreemde, waanzinnige avonturen. “Uiteindelijk gaat het erom een eigen manier van leven te vinden in deze wereld en er zijn eigen structuur te creëren. Iedereen moet zijn eigen verhaal creëren en erin leven, zo niet wordt overleven onmogelijk.”

Rinus Van de Velde

I’ve been in a similar position before…, 2015

Fusain sur toile

Rinus Van de Velde (Louvain, 1983) est un jeune peintre diplômé de l’Académie des Beaux-Arts d’Anvers. Il commence par étudier la sculpture mais trouve son processus fastidieux et lent, et la délaisse rapidement pour lui préférer l’expression vive du dessin. Des dessins qui prendront peu à peu une dimension monumentale, évoluant de la couleur au noir et blanc, vers la seule utilisation du charbon. À chacun de ses tableaux est associé un long texte, qui devient également le titre incommode de son œuvre. L’artiste y développe l’univers fictionnel qui a nourri la réalisation du tableau. Travaillant au départ de photographies ou d’images trouvées, il reproduit les situations choisies dans son atelier sous la forme de mises en scène de théâtre en carton-pâte. Saynètes où il laisse libre cours à une pseudo-réalité, dans laquelle son alter ego est embarqué dans des aventures folles et fantasmées. « Au final, il s’agit de trouver une manière de vivre en ce monde, d’y créer sa propre structure. Tout le monde doit créer sa propre fiction et y vivre, autrement, il n’y pas de survie possible. »

KRJST Studio

Exclusieve creatie, 2016

KRJST is in het leven geroepen door Erika Schillebeeckx (Brussel, 1988) en Justine de Moriamé (Namen, 1986) twee modeontwerpsters die in 2011 hun master mode aan La Cambre behalen. Fotograaf Sébastien Delhaye (Douai, 1986) vervoegt hen snel. KRJST ontwikkelt een barokke garderobe aan de hand van hun schil-derachtig en fotografisch onderzoek. De studio ligt bezaaid met schilderijen, tekeningen gemaakt met de de digitale glitch techniek en fototoestellen door hen ontworpen. De interpretatie van deze getrouwe visuele weergaven in kledingstukken en geweven werken staat centraal in hun creatieve aanpak. Die interpretatie geeft een bepaald ritme aan de decoropbouw van de tentoonstelling. In Studio-vorm sinds 2015 laat KRJST zijn zin voor experiment volop de vrije loop en werkt evengoed samen met het Chinese bedrijf Huawei als met Papier Labo in Tokio. Behalve de decoropbouw van de tentoonstelling, ontwierpen ze een onuitgegeven kledingstuk dat aansluit bij het werk van Rinus Van de Velde. Voor de kunstenaar of zijn alter ego bedachten ze een outfit, en zelfs een nieuw verhaal, voortvloeiend uit zijn tekening. Het lijkt alsof het water uit het schilderij wegvloeit, net als het kledingstuk, waarvan de details schipperen tussen schilderkunst, kledij en beeldhouwkunst. De mantel die ernaast hangt is het resultaat van een alchemie. Vertrekkend van het anagram van Rinus (“S’unir”), kozen de ontwerpsters immers voor een fusie tussen metalen en een stilistische creatie. Een knipoog naar één van de doelstellingen van de alchemie die naar de tentoonstelling verwijst: de verandering van “lagere” mate-rialen in edele metalen, zoals andere in kunstobjecten.

KRJST Studio

Création originale, 2016

KRJST Studio (Bruxelles, 2012) est une aventure entamée par Erika Schillebeeckx (Bruxelles, 1988) et Justine de Moriamé (Namur, 1986), toutes deux créatrices de mode diplômées de La Cambre en 2011 et très vite rejointes par le photographe Sébastien Delahaye (Douai, 1986). KRJST développe un vestiaire baroque constitué au départ de leurs recherches picturales et photographiques. Peintures, dessins aux glitchs digitaux et appareils photographiques – conçus par leurs soins – jonchent le Studio. L’interprétation de ces rendus visuels en vêtements et en œuvres tissées – qui rythment ici la scénographie de l’exposition – est au cœur de leur démarche créative. Établi en Studio depuis 2015, KRJST se donne la liberté d’expérimenter tous azimuts sa pratique, collaborant aussi bien avec une marque comme Huawei qu’avec la papeterie Papier Labo basée à Tokyo. En plus de la scénographie de cette exposition, elles ont conçu un ensemble inédit en résonance avec la pratique de Rinus Van de Velde. Imaginant pour l’artiste, ou son alter ego, une tenue et plus encore, une nouvelle fiction découlant de son tableau. L’eau semble s’en échapper, tout comme cette silhouette dont les détails de la tenue évoluent entre peinture, vêtement et sculpture. Le manteau posé à côté est quant à lui le résultat d’une alchimie. L’anagramme de Rinus étant « s’unir », elles ont imaginé une fusion entre vêtement et métal précieux. Un clin d’œil à l’un des objectifs de l’alchimie, qui fait écho au propos de l’exposition ; la transformation des matériaux « inférieurs » en métaux nobles, comme d’autres en pièces artistiques.

KRJST Studio

Exclusieve creatie, 2016

KRJST is in het leven geroepen door Erika Schillebeeckx (Brussel, 1988) en Justine de Moriamé (Namen, 1986) twee modeontwerpsters die in 2011 hun master mode aan La Cambre behalen. Fotograaf Sébastien Delhaye (Douai, 1986) vervoegt hen snel. KRJST ontwikkelt een barokke garderobe aan de hand van hun schil-derachtig en fotografisch onderzoek. De studio ligt bezaaid met schilderijen, tekeningen gemaakt met de de digitale glitch techniek en fototoestellen door hen ontworpen. De interpretatie van deze getrouwe visuele weergaven in kledingstukken en geweven werken staat centraal in hun creatieve aanpak. Die interpretatie geeft een bepaald ritme aan de decoropbouw van de tentoonstelling. In Studio-vorm sinds 2015 laat KRJST zijn zin voor experiment volop de vrije loop en werkt evengoed samen met het Chinese bedrijf Huawei als met Papier Labo in Tokio. Behalve de decoropbouw van de tentoonstelling, ontwierpen ze een onuitgegeven kledingstuk dat aansluit bij het werk van Rinus Van de Velde. Voor de kunstenaar of zijn alter ego bedachten ze een outfit, en zelfs een nieuw verhaal, voortvloeiend uit zijn tekening. Het lijkt alsof het water uit het schilderij wegvloeit, net als het kledingstuk, waarvan de details schipperen tussen schilderkunst, kledij en beeldhouwkunst. De mantel die ernaast hangt is het resultaat van een alchemie. Vertrekkend van het anagram van Rinus (“S’unir”), kozen de ontwerpsters immers voor een fusie tussen metalen en een stilistische creatie. Een knipoog naar één van de doelstellingen van de alchemie die naar de tentoonstelling verwijst: de verandering van “lagere” mate-rialen in edele metalen, zoals andere in kunstobjecten.

KRJST Studio

Création originale, 2016

KRJST Studio (Bruxelles, 2012) est une aventure entamée par Erika Schillebeeckx (Bruxelles, 1988) et Justine de Moriamé (Namur, 1986), toutes deux créatrices de mode diplômées de La Cambre en 2011 et très vite rejointes par le photographe Sébastien Delahaye (Douai, 1986). KRJST développe un vestiaire baroque constitué au départ de leurs recherches picturales et photographiques. Peintures, dessins aux glitchs digitaux et appareils photographiques – conçus par leurs soins – jonchent le Studio. L’interprétation de ces rendus visuels en vêtements et en œuvres tissées – qui rythment ici la scénographie de l’exposition – est au cœur de leur démarche créative. Établi en Studio depuis 2015, KRJST se donne la liberté d’expérimenter tous azimuts sa pratique, collaborant aussi bien avec une marque comme Huawei qu’avec la papeterie Papier Labo basée à Tokyo. En plus de la scénographie de cette exposition, elles ont conçu un ensemble inédit en résonance avec la pratique de Rinus Van de Velde. Imaginant pour l’artiste, ou son alter ego, une tenue et plus encore, une nouvelle fiction découlant de son tableau. L’eau semble s’en échapper, tout comme cette silhouette dont les détails de la tenue évoluent entre peinture, vêtement et sculpture. Le manteau posé à côté est quant à lui le résultat d’une alchimie. L’anagramme de Rinus étant « s’unir », elles ont imaginé une fusion entre vêtement et métal précieux. Un clin d’œil à l’un des objectifs de l’alchimie, qui fait écho au propos de l’exposition ; la transformation des matériaux « inférieurs » en métaux nobles, comme d’autres en pièces artistiques.

Henri Michaux

Sans titre dit Grande bataille, 1975

Oost-Indische inkt op papier

Henri Michaux (Namen, 1899 – 1984)verhuist naar Parijs in 1924, het jaar waarin André Breton zijn Surrealistisch Manifest publiceert. De dichter komt er in contact met de surrealisten Max Ernst, Paul Klee en Giorgio de Chirico. Later begint hij aan een picturaal en poëtisch avontuur. Zijn imaginaire reisverhalen, prozagedichten en wreed-aardige, dikwijls mystieke fantasieën beschrijven zijn innerlijk leven. In zijn zoektocht naar de kunstmatige paradijzen neemt hij zijn toevlucht tot hallucinogene middelen. Hij probeert, vooral met Oost-Indische inkt, zijn innerlijke wereld in de vorm van denkbeeldige ideogrammen uit te drukken. Wat Michaux wil schilderen en wat hij in zijn teksten beschrijft, is “het fluïdum dat tussen de personages stroomt”.

Henri Michaux

Sans titre dit Grande bataille, 1975

Encre de Chine sur papier

Henri Michaux (Namur, 1899-1984) rejoint Paris en 1924, l’année où André Breton publie son Manifeste du surréalisme. Le poète y fera la rencontre de Max Ernst, Paul Klee et Giorgio de Chirico. Il s’engage plus tard dans la double aventure picturale et poétique. Ses récits de voyages imaginaires, ses poèmes en prose et ses fantaisies cruelles, souvent mystiques, décrivent sa vie intérieure. Dans sa recherche des paradis artificiels, il s’adonne aux substances hallucinogènes. Exprimant alors son monde intérieur, comme ici à l’encre de Chine, sous la forme d’idéogrammes imaginaires. Ce que Michaux veut peindre, et ce qu’il décrit dans ses textes, ce sont « les effluves qui circulent entre les personnages ».

Christian Dotremont

Zébrures et cobrures, 1972

Oost-Indische inkt

Christian Dotremont (Tervuren, 1922 – 1979) is een Belgische schilder en dichter die bekendstaat om zijn plastische experimenten met het logogram, een spontaan geschilderd gedicht dat de letters van het alfabet neigt te vervormen. Dotremont raakt gefascineerd door de verhouding woord-ding-beeld van Magritte. Maar wat hem vooral bezighoudt is de materiële dimensie en de eigen realiteit van de woorden en hun schrijfwijze. In 1948 is hij een van de grondleggers van CoBrA, een beweging bestaande uit Dotremont en Noiret (Brussel), Jorn (Copenhagen), en Constant, Corneille en Appel (Amsterdam). Deze kunstenaars verzetten zich tegen de vooroordelen en strikte regels die de kunst beheersen en willen de spontaneïteit van de expressiemiddelen in ere herstellen.

Christian Dotremont

Zébrures et cobrures, 1972

Encre de Chine

Christian Dotremont (Tervuren, 1922-1979) est un peintre et poète belge, reconnu pour sa recherche plastique sur le logogramme, un poème peint spontanément qui tend à déformer les lettres de l’alphabet. Dotremont sera fasciné par le rapport mot-chose-image de Magritte pendant un temps, mais ce qui l’obsédera plus particulièrement sera la dimension matérielle et la réalité propre des mots et de leur écriture. En 1948, il initiera le mouvement CoBrA, qui sera constitué de Dotremont et Noiret (Bruxelles), de Jorn (Copenhague), et de Constant, Corneille et Appel (Amsterdam). Ces artistes s’insurgeront contre les idées toutes faites et les règles strictes qui dominent l’art, désirant alors remettre à l’honneur la spontanéité des moyens d’expression.

Jules Lismonde

Signe HM IX, 1975

Oost-Indische inkt op papier

Jules Lismonde (Anderlecht, 1908 – 2001) is erin geslaagd om tekeningen een spanning en een bijna Japans aandoende sensibiliteit te geven. Hij creëert voornamelijk werken in zwart-wit. Voor hem is een werk vergelijkbaar met een wandeling. U moet kunnen bewegen in het hart van de tekening en, zoals hij zegt: “op een denkbeeldige plek in zigzag kunnen rondlopen, zoals in de toneeldecors of de decors van een soort mentaal landschap”.

Jules Lismonde

Signe HM IX, 1975

Encre de Chine sur papier

Jules Lismonde (Anderlecht, 1908-2001) a su donner au dessin une tension et une sensibilité presque japonisante, créant une œuvre essentiellement en noir et blanc. Pour lui, une œuvre était similaire à une promenade, il fallait pouvoir se mouvoir au sein d’un dessin, d’après ses mots « y circuler en zigzag dans un lieu imaginaire, comme dans les décors d’un théâtre ou dans ceux d’une sorte de paysage mental ».

Kim Stumpf

Exclusieve creatie, 2016

Kim Stumpf (Brugge, 1982) is een jonge Belgische modeontwerpster die aan de Antwerpse Academie schilder- en beeldhouwkunst studeert vooraleer in 2007 in La Cambre haar einddiploma te behalen. Nadien werkt ze een tijdje bij Bruno Pieters en Vivienne Westwood, waarna ze haar eigen eponiem merk lanceert. Ze werkt met materialen van hoge kwaliteit, zoals Italiaanse wol of allerlei soorten mohair. En ze gebruikt innoverende technieken zoals zeefdruk en laser cutting. Intussen werd haar werk opgemerkt door de Woolmark Prize, die haar nomineerde voor de internationale prijs 2016-2017.Voor haar originele creatie in het kader van deze tentoon-stelling, gaat Kim Stumpf de dialoog aan met de logogrammen van Christian Dotremont om cursieve tekeningen op een wollen en nylon gebreide jurk aan te brengen. Zo brengt ze volume en een nieuwe expressievorm in deze confectietechniek.

Kim Stumpf

Création originale, 2016

Kim Stumpf (Bruges, 1982) est une jeune créatrice de mode belge, qui a étudié la peinture et la sculpture à l’Académie d’Anvers avant de sortir diplômée de La Cambre en 2007. Elle a ensuite travaillé un temps chez Bruno Pieters et Vivienne Westwood, avant de lancer sa propre marque éponyme. Elle travaille des matériaux de haute qualité comme la laine italienne ou différents types de mohair, et utilise des techniques innovantes, telles que la sérigraphie et la découpe laser. Son travail a depuis été remarqué par le célèbre Woolmark Prize, qui l’a nominée pour le prix international de 2016-2017. Pour sa création originale dans le cadre de l’exposition, Kim Stumpf a choisi plus particulièrement de faire se répondre les logogrammes de Christian Dotremont aux dessins cursifs d’une robe, tricotée en laine et en nylon pour révéler un volume et une nouvelle expression dans ce mode de confection.

Walter Van Beirendonck

Caroline Says II, 1976

Olie op paneel

Walter Van Beirendonck (Brecht, 1957) is ongetwijfeld de meest representatieve modeontwerper van de Zes van Antwerpen. In 1983 lanceert hij zijn eponiem merk. Zijn stijl is ludiek en kleurrijk, met soms uitgesproken seksuele accenten. Wanneer hij geen les geeft aan de Antwerpse Modeacademie of niet met veel bombarie zijn medewerking verleent aan de vormgeving van een internationale merknaam, steekt hij zijn energie in het schilderen. Zijn ontwerpen zijn trouwens een perfecte mix van genres en situeren zich ergens tussen kunst en mode, tussen rebellie en inschikkelijkheid. Al zijn collecties passen in een concept waarbij experimenteren weinig ruimte biedt voor onopvallende, brave outfits. Het hier tentoongestelde silhouet komt uit de wintercollectie 2012 – 2013 “Lust Never Sleeps”. Het masker had makkelijk kunnen worden gedragen door een krijger uit Papoea-Nieuw-Guinea of door een Caraïbische voodoo hoge priester. Tenzij het vanwege bepaalde details sterker aansluit bij andere reële situaties die meer weg hebben van toestanden waarbij seksshops een grote aantrekkingskracht uitoefenen op in leer gehulde fetisjaanbidders. De persoonlijke toets van de ontwerper zit ‘m in de associatie tussen een kleurrijke cartoonstijl en een ietwat sombere ondertoon. Beide werken dateren uit 1976, enkele jaren vóór hij afstudeerde aan de Academie van Antwerpen. Zij zijn al een uiting van de creatieve energie van Walter Van Beirendonck, in dit geval in de schilderkunst. In het ene werk beeldt hij een scène uit met zure kleuren voor “Caroline Says II” van Lou Reed, de zanger die bekend staat om zijn sombere teksten. Voor het andere werk stelt hij een intimistisch beeld samen waarvan de titel “After-Taste” verwijst naar het vervolg op een gebeurtenis die voor ons onbekend zal blijven.

Walter Van Beirendonck

Caroline Says II, 1976

Huile sur panneau

Walter Van Beirendonck (Brecht, 1957) est le créateur de mode sans doute le plus représentatif du groupe des Six d’Anvers. Il a lancé sa marque éponyme en 1983. Reconnu pour son style ludique, coloré aux détours parfois explicitement sexuels. Quand il n’enseigne pas à son tour à l’Académie d’Anvers ou collabore en grande pompe pour une marque internationale, Walter Van Beirendonck déploie son énergie dans la peinture. Sa création est d’ailleurs un parfait mélange de genres, entre art et mode, et entre rébellion et complaisance. Chacune de ses collections se prête au jeu d’un concept où l’expérimentation laisse peu de place aux tenues discrètes et sages. La silhouette exposée ici est issue de la collection intitulée Lust Never Sleeps, pour l’hiver 2012-2013. Le masque aurait pu sans mal être utilisé par un guerrier de Papouasie-Nouvelle-Guinée ou par un grand prêtre vaudou des Caraïbes. Si ce n’est pour certains détails qui le ramènent vers d’autres réalités, plus proches de celles qui peuplent les sex-shops de fétichistes tout cuir. C’est dans cette association d’un style cartoon et coloré à un sous-propos plus sombre que l’on reconnaît la patte du créateur. Ces deux tableaux datent de 1976, plusieurs années avant qu’il ne sorte diplômé de l’Académie d’Anvers. Ils témoignent déjà de l’énergie créatrice de Walter Van Beirendonck, ici appliquée à la peinture. Dans l’une, il imagine une scène aux couleurs acides pour le morceau Caroline Says II de Lou Reed, chanteur connu pour la noirceur de ses textes. Et pour l’autre, il compose une scène intimiste dont le titre, After-Taste, suggère les suites d’un évènement qui nous demeurera inconnu.

Walter Van Beirendonck

After-Taste, 1976

Olie op paneel

Walter Van Beirendonck (Brecht, 1957) is ongetwijfeld de meest representatieve modeontwerper van de Zes van Antwerpen. In 1983 lanceert hij zijn eponiem merk. Zijn stijl is ludiek en kleurrijk, met soms uitgesproken seksuele accenten. Wanneer hij geen les geeft aan de Antwerpse Modeacademie of niet met veel bombarie zijn medewerking verleent aan de vormgeving van een internationale merknaam, steekt hij zijn energie in het schilderen. Zijn ontwerpen zijn trouwens een perfecte mix van genres en situeren zich ergens tussen kunst en mode, tussen rebellie en inschikkelijkheid. Al zijn collecties passen in een concept waarbij experimenteren weinig ruimte biedt voor onopvallende, brave outfits. Het hier tentoongestelde silhouet komt uit de wintercollectie 2012 – 2013 “Lust Never Sleeps”. Het masker had makkelijk kunnen worden gedragen door een krijger uit Papoea-Nieuw-Guinea of door een Caraïbische voodoo hoge priester. Tenzij het vanwege bepaalde details sterker aansluit bij andere reële situaties die meer weg hebben van toestanden waarbij seksshops een grote aantrekkingskracht uitoefenen op in leer gehulde fetisjaanbidders. De persoonlijke toets van de ontwerper zit ‘m in de associatie tussen een kleurrijke cartoonstijl en een ietwat sombere ondertoon. Beide werken dateren uit 1976, enkele jaren vóór hij afstudeerde aan de Academie van Antwerpen. Zij zijn al een uiting van de creatieve energie van Walter Van Beirendonck, in dit geval in de schilderkunst. In het ene werk beeldt hij een scène uit met zure kleuren voor “Caroline Says II” van Lou Reed, de zanger die bekend staat om zijn sombere teksten. Voor het andere werk stelt hij een intimistisch beeld samen waarvan de titel “After-Taste” verwijst naar het vervolg op een gebeurtenis die voor ons onbekend zal blijven.

Walter Van Beirendonck

After-Taste, 1976

Huile sur panneau

Walter Van Beirendonck (Brecht, 1957) est le créateur de mode sans doute le plus représentatif du groupe des Six d’Anvers. Il a lancé sa marque éponyme en 1983. Reconnu pour son style ludique, coloré aux détours parfois explicitement sexuels. Quand il n’enseigne pas à son tour à l’Académie d’Anvers ou collabore en grande pompe pour une marque internationale, Walter Van Beirendonck déploie son énergie dans la peinture. Sa création est d’ailleurs un parfait mélange de genres, entre art et mode, et entre rébellion et complaisance. Chacune de ses collections se prête au jeu d’un concept où l’expérimentation laisse peu de place aux tenues discrètes et sages. La silhouette exposée ici est issue de la collection intitulée Lust Never Sleeps, pour l’hiver 2012-2013. Le masque aurait pu sans mal être utilisé par un guerrier de Papouasie-Nouvelle-Guinée ou par un grand prêtre vaudou des Caraïbes. Si ce n’est pour certains détails qui le ramènent vers d’autres réalités, plus proches de celles qui peuplent les sex-shops de fétichistes tout cuir. C’est dans cette association d’un style cartoon et coloré à un sous-propos plus sombre que l’on reconnaît la patte du créateur. Ces deux tableaux datent de 1976, plusieurs années avant qu’il ne sorte diplômé de l’Académie d’Anvers. Ils témoignent déjà de l’énergie créatrice de Walter Van Beirendonck, ici appliquée à la peinture. Dans l’une, il imagine une scène aux couleurs acides pour le morceau Caroline Says II de Lou Reed, chanteur connu pour la noirceur de ses textes. Et pour l’autre, il compose une scène intimiste dont le titre, After-Taste, suggère les suites d’un évènement qui nous demeurera inconnu.

Walter Van Beirendonck

Herfst Winter 2012-2013

Courtesy Modemuseum Antwerpen

Walter Van Beirendonck (Brecht, 1957) is ongetwijfeld de meest representatieve modeontwerper van de Zes van Antwerpen. In 1983 lanceert hij zijn eponiem merk. Zijn stijl is ludiek en kleurrijk, met soms uitgesproken seksuele accenten. Wanneer hij geen les geeft aan de Antwerpse Modeacademie of niet met veel bombarie zijn medewerking verleent aan de vormgeving van een internationale merknaam, steekt hij zijn energie in het schilderen. Zijn ontwerpen zijn trouwens een perfecte mix van genres en situeren zich ergens tussen kunst en mode, tussen rebellie en inschikkelijkheid. Al zijn collecties passen in een concept waarbij experimenteren weinig ruimte biedt voor onopvallende, brave outfits. Het hier tentoongestelde silhouet komt uit de wintercollectie 2012 – 2013 “Lust Never Sleeps”. Het masker had makkelijk kunnen worden gedragen door een krijger uit Papoea-Nieuw-Guinea of door een Caraïbische voodoo hoge priester. Tenzij het vanwege bepaalde details sterker aansluit bij andere reële situaties die meer weg hebben van toestanden waarbij seksshops een grote aantrekkingskracht uitoefenen op in leer gehulde fetisjaanbidders. De persoonlijke toets van de ontwerper zit ‘m in de associatie tussen een kleurrijke cartoonstijl en een ietwat sombere ondertoon. Beide werken dateren uit 1976, enkele jaren vóór hij afstudeerde aan de Academie van Antwerpen. Zij zijn al een uiting van de creatieve energie van Walter Van Beirendonck, in dit geval in de schilderkunst. In het ene werk beeldt hij een scène uit met zure kleuren voor “Caroline Says II” van Lou Reed, de zanger die bekend staat om zijn sombere teksten. Voor het andere werk stelt hij een intimistisch beeld samen waarvan de titel “After-Taste” verwijst naar het vervolg op een gebeurtenis die voor ons onbekend zal blijven.

Walter Van Beirendonck

Automne Hiver 2012-2013

Courtesy ModeMuseum Antwerpen

Walter Van Beirendonck (Brecht, 1957) est le créateur de mode sans doute le plus représentatif du groupe des Six d’Anvers. Il a lancé sa marque éponyme en 1983. Reconnu pour son style ludique, coloré aux détours parfois explicitement sexuels. Quand il n’enseigne pas à son tour à l’Académie d’Anvers ou collabore en grande pompe pour une marque internationale, Walter Van Beirendonck déploie son énergie dans la peinture. Sa création est d’ailleurs un parfait mélange de genres, entre art et mode, et entre rébellion et complaisance. Chacune de ses collections se prête au jeu d’un concept où l’expérimentation laisse peu de place aux tenues discrètes et sages. La silhouette exposée ici est issue de la collection intitulée Lust Never Sleeps, pour l’hiver 2012-2013. Le masque aurait pu sans mal être utilisé par un guerrier de Papouasie-Nouvelle-Guinée ou par un grand prêtre vaudou des Caraïbes. Si ce n’est pour certains détails qui le ramènent vers d’autres réalités, plus proches de celles qui peuplent les sex-shops de fétichistes tout cuir. C’est dans cette association d’un style cartoon et coloré à un sous-propos plus sombre que l’on reconnaît la patte du créateur. Ces deux tableaux datent de 1976, plusieurs années avant qu’il ne sorte diplômé de l’Académie d’Anvers. Ils témoignent déjà de l’énergie créatrice de Walter Van Beirendonck, ici appliquée à la peinture. Dans l’une, il imagine une scène aux couleurs acides pour le morceau Caroline Says II de Lou Reed, chanteur connu pour la noirceur de ses textes. Et pour l’autre, il compose une scène intimiste dont le titre, After-Taste, suggère les suites d’un évènement qui nous demeurera inconnu.

Jean Bilquin

Het oog , 1973

Gelakt hout

Jean Bilquin (Gent, 1938) is een graficus die een opleiding genoot aan de Academie voor Schone Kunsten van Gent. In 1957 beproeft hij zijn geluk als zelfstandig kunstenaar. Het mysterieuze doordringt zijn werk. De woorden beschouwing, dynamiek en esprit zijn nooit ver weg in zijn realisaties. Aangezien de mens gebannen wordt in zijn werk, is het idee dat de natuur en de kosmos de spil zijn van zijn werk, onvermijdelijk. Pas in 1984 dook de menselijke figuur terug op in zijn oeuvre, dikwijls in de vorm van figuren zonder gezicht.

Jean Bilquin

L’oeil, 1973

Bois laqué

Jean Bilquin (Gand, 1938) a suivi une formation de graphiste à l’Académie des Beaux-arts de Gand. Il se lance dès 1957 comme artiste indépendant. Le mystérieux envahit son œuvre. Plusieurs thèmes sont récurrents ; le bateau, les gens et les animaux, Sisyphe, Orphée, le pas, le paradis et le ciel ainsi que la mère et l’enfant. Les mots « contemplation », « dynamique » et « esprit » résonnent à travers ses réalisations. L’idée que la nature et le cosmos forment un point de départ à sa création s’impose, l’homme étant banni de sa réalisation. Ce n’est qu’en 1984 que la silhouette humaine tend à réapparaître timidement, souvent par des formes sans visage.

Jean Bilquin

“De achteruitkijker”, 1972

Hout bedekt met polyester

Jean Bilquin (Gent, 1938) is een graficus die een opleiding genoot aan de Academie voor Schone Kunsten van Gent. In 1957 beproeft hij zijn geluk als zelfstandig kunstenaar. Het mysterieuze doordringt zijn werk. De woorden beschouwing, dynamiek en esprit zijn nooit ver weg in zijn realisaties. Aangezien de mens gebannen wordt in zijn werk, is het idee dat de natuur en de kosmos de spil zijn van zijn werk, onvermijdelijk. Pas in 1984 dook de menselijke figuur terug op in zijn oeuvre, dikwijls in de vorm van figuren zonder gezicht.

Jean Bilquin

De Achteruitkijker, 1972

Bois couvert de polyester

Jean Bilquin (Gand, 1938) a suivi une formation de graphiste à l’Académie des Beaux-arts de Gand. Il se lance dès 1957 comme artiste indépendant. Le mystérieux envahit son œuvre. Plusieurs thèmes sont récurrents ; le bateau, les gens et les animaux, Sisyphe, Orphée, le pas, le paradis et le ciel ainsi que la mère et l’enfant. Les mots « contemplation », « dynamique » et « esprit » résonnent à travers ses réalisations. L’idée que la nature et le cosmos forment un point de départ à sa création s’impose, l’homme étant banni de sa réalisation. Ce n’est qu’en 1984 que la silhouette humaine tend à réapparaître timidement, souvent par des formes sans visage.

Vic Gentils

Sanotrace (Tour de Babel I), 1972

Les citoyens (Tour de Babel II), 1972


Vic Gentils (Engeland, 1919 – 1997)begon, na zijn studies in Antwerpen, zijn artistieke loopbaan als schilder. In het begin van de jaren vijftig stort hij zich op het experimenteel beeldhouwen en de assemblagekunst op basis van hout, metaal en recuperatiemateriaal. Aan de hand van zijn oeuvre vertelt hij ons zijn gevecht met de Engel en hoe, in deze wereld waar geweld schering en inslag is, onschuld niet meer aan bod komt. Uit de twee kleine tentoongestelde werken spreekt zijn belangstelling voor de hemel en de hel, terugkerende thema’s bij de kunstenaar.

Vic Gentils

Sanotrace (Tour de Babel I), 1972

Les citoyens (Tour de Babel II), 1972


Né d’un père anglais et d’une mère flamande, Vic Gentils (Angleterre, 1919-1997) a passé la majorité de sa vie en Belgique. Après avoir fait ses études à Anvers, il commence sa carrière artistique dans la peinture. Au début des années cinquante, il se lance dans la sculpture expérimentale ainsi que dans l’assemblage qu’il réalise à partir de bois, de métal et de matériaux de récupérations. À travers son œuvre, il nous raconte sa lutte avec l’Ange et comment, dans ce monde empli de violence, l’innocence ne trouve plus sa place. La diversité de ses matériaux ainsi que la manière dont il les façonne offrent une puissance à son œuvre. En 1958, il est le cofondateur du groupe d’artistes anversois G58, groupe au sein duquel les artistes oscillent entre abstraction lyrique d’un côté et abstraction géométrique de l’autre. En 1972, suite à un infarctus, Gentils, se sentant handicapé, se limite aux dessins et sculptures de plus petite taille. Les deux œuvres exposées retracent son intérêt pour les enfers et le ciel, thématiques récurrentes de l’artiste.

Vic Gentils

Erasme, 1968


Vic Gentils (Engeland, 1919 – 1997)begon, na zijn studies in Antwerpen, zijn artistieke loopbaan als schilder. In het begin van de jaren vijftig stort hij zich op het experimenteel beeldhouwen en de assemblagekunst op basis van hout, metaal en recuperatiemateriaal. Aan de hand van zijn oeuvre vertelt hij ons zijn gevecht met de Engel en hoe, in deze wereld waar geweld schering en inslag is, onschuld niet meer aan bod komt. Uit de twee kleine tentoongestelde werken spreekt zijn belangstelling voor de hemel en de hel, terugkerende thema’s bij de kunstenaar.

Vic Gentils

Erasme, 1968


Né d’un père anglais et d’une mère flamande, Vic Gentils (Angleterre, 1919-1997) a passé la majorité de sa vie en Belgique. Après avoir fait ses études à Anvers, il commence sa carrière artistique dans la peinture. Au début des années cinquante, il se lance dans la sculpture expérimentale ainsi que dans l’assemblage qu’il réalise à partir de bois, de métal et de matériaux de récupérations. À travers son œuvre, il nous raconte sa lutte avec l’Ange et comment, dans ce monde empli de violence, l’innocence ne trouve plus sa place. La diversité de ses matériaux ainsi que la manière dont il les façonne offrent une puissance à son œuvre. En 1958, il est le cofondateur du groupe d’artistes anversois G58, groupe au sein duquel les artistes oscillent entre abstraction lyrique d’un côté et abstraction géométrique de l’autre. En 1972, suite à un infarctus, Gentils, se sentant handicapé, se limite aux dessins et sculptures de plus petite taille. Les deux œuvres exposées retracent son intérêt pour les enfers et le ciel, thématiques récurrentes de l’artiste.

Paul van Hoeydonck

Alexandra, 1986

Brons

Paul van Hoeydonck (Antwerpen, 1925) legde zich toe op verschillende kunstvormen: beeldhouwkunst, schilderkunst, tekenen, collages en grafische vormgeving. Van Hoeydonck is in 1957 de eerste Belg die monochrome werken maakt.. Een primordiaal thema in zijn oeuvre is de mens in de ruimte. Deze fascinatie zal de bemanning van de Apollo 15 er in 1971 toe brengen om een van zijn werken, “Fallen Astronaut”, op de maan neer te zetten.. Het tentoongestelde werk, “Alexandra”, bewijst zijn belangstelling voor zowel de futurologie als het verleden. Het idee waarin hij gelooft, namelijk dat niets ooit verloren gaat, zelfs niet de kleinste molecule in om het even welke stof, resulteerde in deze vormen die diverse types van totems oproepen.

Paul van Hoeydonck

Alexandra, 1986

Bronze

Paul van Hoeydonck (Anvers, 1925) commence à suivre en 1941 des cours du soir à l’Académie d’Anvers et se forme par la suite dans l’atelier du dessinateur Jos Hendrickx. Il s’est exprimé autant à travers la sculpture, la peinture, le dessin, le collage que le graphisme. Il fut le premier en 1957 à réaliser des œuvres monochromes en Belgique. À travers celles-ci, il tentait de représenter les différents aspects de l’espace, plus particulièrement l’idée de l’Homme dans l’espace. En 1958, il est membre du groupe d’avant-garde G58 au sein duquel il produit des œuvres qui tendent vers l’abstraction géométrique. Un thème primordial dans son œuvre est « l’homme dans l’espace », à tel point que l’univers spatial est omniprésent au fil de ses créations. Cette fascination entrainera, en 1971, l’équipage d’Apollo XV à placer l’une de ses œuvres, Fallen Astronaut, sur la lune. L’œuvre exposée, Alexandra, relate son intérêt tant pour la futurologie que pour le passé. L’idée, à laquelle il croit, que rien ne se perd jamais, pas même la plus petite molécule au sein d’un matériau quelconque a donné naissance à ces formes qui évoquent des types de totems.

Lidy Hoewaer

“Zou ik vliegen ?”, 1965

Geglazuurde steen

Lidy Hoewaer (Hasselt, 1943 – 2010) kreeg haar artistieke opleiding aan de Academie van Hasselt en daarna aan La Cambre, waar ze Pierre Caille, Rik Poot en Jacques Moeschal als leermeesters had. Haar oeuvre kenmerkt zich vooral door abstracte monumentale realisaties van keramiek, hout, diabaassteen, ruw beton, plexiglas en zelfs ijzer gecombineerd met hout. Zou ik vliegen? illustreert het gebruik van geglazuurde steen in haar kunst.

Lidy Hoewaer

Zou ik vliegen?, 1965

Pierre émaillée

Lidy Hoewaer (Hasselt, 1943-2010) a suivi sa formation artistique à l’Académie de Hasselt avant de la poursuivre à La Cambre auprès de Pierre Caille, Rik Poot et Jacques Moeschal. Son œuvre se caractérise essentiellement par des réalisations monumentales abstraites en céramique, bois, pierre diabase, béton brut et verre plexi ou encore en fer combiné au bois. Elle travaille généralement le lieu environnant l’emplacement d’une de ses œuvres, afin de créer un espace cohérent. Zou ik vliegen ? illustre son usage de la pierre émaillée dans son art. Elle fut d’ailleurs professeur de céramique à Saint-Trond de 1970 à 1980.

Oscar Jespers

Hoofd, 1928

Brons

De eerste werken van Oscar Jespers (Antwerpen 1887 – 1970) zijn onder de invloed van Rik Wouters eerder impressionistisch. Hij maakt zich al snel de gipstechniek eigen. Vanaf 1918 stort hij zich op het expressionisme en maakt hij, beïnvloed door de abstractie, meer experimentele sculpturen. Pas vanaf 1921 vertoont zijn werk een stabielere evolutie. In zijn nieuwe realisaties kruisen het kubisme en expressionisme elkaar. Vanaf dan wil hij alleen beeldhouwen “en taille direct” en laat hij de gipstechniek voor wat het is. In die periode en in het tentoongestelde werk voelt u zijn bewondering voor de Afrikaanse kunst en expressionistische kunstenaars zoals Zadkine.

Oscar Jespers

Tête, 1928

Bronze

Oscar Jespers (Anvers, 1887-1970) est initié à la sculpture par son père, Émile Jespers, avant d’entamer des études à l’Académie des Beaux-Arts et ensuite à l’Institut supérieur d’Anvers. Il commence à réaliser des œuvres dans un style impressionniste, sous l’influence de Rik Wouters, et adopte la technique du plâtre. À partir de 1918, il se lance dans l’expressionnisme et réalise des sculptures plus expérimentales influencées par l’abstraction. Ce n’est qu’à partir de 1921 qu’il démontre une évolution plus régulière dans sa création. Il réalise alors des œuvres où cubisme et expressionnisme se rencontrent. Dès lors, il favorise la taille directe et délaisse la technique du plâtre. À travers cette période ainsi qu’à travers l’œuvre exposée, on ressent son admiration pour l’art nègre ainsi que pour les artistes expressionnistes tels que Zadkine. En 1926, il rejoint le groupe des IX à Bruxelles, devient membre du mouvement « Sélection » ainsi que du cercle « L’art Vivant ». Plus tard, il reviendra à un travail plus serein et à la technique du modelage en plâtre.

Jan Fabre

Mur de la montée des anges, 1994

Juweelkevers

Jan Fabre (Antwerpen, 1958) is een van de belangrijkste figuren van de Belgische hedendaagse kunst. Hij is tekenaar, beeldhouwer, choreograaf en toneel- en operaregisseur. Van kindsbeen af is hij gefascineerd door insectenkenner Jean-Henri Fabre (1823 – 1915), en hij heeft een voorliefde voor de juweelkever. Herhaaldelijk gebruikt hij dit insect in zijn kunstwerken, bijvoorbeeld om met zijn pantsertjes het plafond van de Spiegelzaal van het Koninklijk Paleis in Brussel te bedekken en om er mysterieuze sculpturen mee te maken. Dit laatste werk, “Mur de la montée des anges” genaamd, dateert van 1994. De kunstenaar zegt dat hij zijn inspiratie haalde uit een combinatie van een Coca-Colafles, een Mariabeeld en een Dior-jurk.

Jan Fabre

Mur de la montée des anges, 1994

Scarabées

Jan Fabre (Anvers, 1958) est l’une des figures majeures de l’art contemporain en Belgique. Il est à la fois dessinateur, sculpteur, chorégraphe et metteur en scène de théâtre et d’opéra. Fasciné par les travaux de l’entomologiste Jean-Henri Fabre (1823-1915) depuis son plus jeune âge, il semble avoir porté sa prédilection sur le scarabée. C’est un insecte qu’il a utilisé à de nombreuses reprises dans sa pratique, aussi bien en recouvrant de leurs carapaces les plafonds de la des glaces du palais royal de Bruxelles, qu’en composant des sculptures énigmatiques. Cette œuvre intitulée Mur de la montée des anges a été réalisée en 1994. L’inspiration pour son dessin est mixte, l’artiste dit avoir allié les formes d’une bouteille Coca-Cola à celles d’une statue de la Vierge et d’une robe Dior.

Pierre-Antoine Vettorello

Exclusieve creatie, 2016

Pierre-Antoine Vettorello (Bordeaux, 1985) is een Frans-Ivoriaans modeontwerper. Na zijn studies textieldesign in Parijs, komt hij naar België om zijn studies voort te zetten aan de Academie van Antwerpen, waar hij in 2010 zijn diploma behaalt. Onder invloed van departementsdirecteur en modeontwerper Walter van Beirendonck neemt zijn stijl een nieuwe sculpturale dimensie aan, met een mix van verschillende technieken als borduurwerk en versieringen. Hij laat zich inspireren door dierlijke en florale vormen en creëert stukken die vrouwenlichamen lijken te beschermen, als een zacht harnas.Zo maakt hij een origineel silhouet voor de tentoonstelling “Recollection” als antwoord op het werk van Jan Fabre. Zijn inspiratie haalt hij uit de metamorfose van een vrouw in een vogel, een thema dat Fabre in sommige zelfportretten gebruikt. Het silhouet is getooid met een elegant peignoir, gemaakt uit zijde aan de binnenkant. Dit silhouet roept bij hem het figuur op van Audrey Hepburn in “How to Steal A Million”. In de print op de jurk en in de mocassins herkent u de kleuren en vormen van de juweelkevers die Jan Fabre zo na aan het hart liggen.

Pierre-Antoine Vettorello

Création originale, 2016

Pierre-Antoine Vettorello (Bordeaux, 1985) est un créateur de mode français-ivoirien. Après avoir étudié le design textile à Paris, il est venu s’installer en Belgique pour poursuivre ses études à l’Académie d’Anvers, de laquelle il est sorti en 2010. Sous la supervision du directeur du département Walter van Beirendonck, son style a évolué vers une nouvelle dimension sculpturale, où se mixent différentes techniques comme la broderie et l’ornementation. Il trouve son inspiration dans les formes animales et florales, et crée des pièces qui semblent protéger les corps féminins comme de douces armures. Il a créé une silhouette originale pour l’exposition Recollection, en réponse à l’œuvre de Jan Fabre. Son inspiration s’est portée sur la métamorphose d’une femme en oiseau, thème que Fabre a lui-même utilisé dans certains de ses autoportraits. Ainsi parée d’un élégant peignoir d’intérieur en soie, la silhouette lui évoque celle d’Audrey Hepburn dans How to steal a million. Quant à l’imprimé de la robe et aux mocassins, on y reconnaîtra les couleurs et les formes des scarabées chers à Jan Fabre.

Pieter Pourbus

Portret van Pieter Dominicle, 1558

Olie op paneel

Pieter Pourbus (Gouda, 1523 – 1584 vestigde zich op 17-jarige leeftijd in Brugge om lid te worden van de stadsgilde en het vak van schilder, beeldhouwer, tekenaar en cartograaf te leren. Hij groeit al snel uit tot de meest toonaangevende kunstenaar van zijn generatie. Sommigen beschouwen hem als de laatste van de Vlaamse Pri-mitieven door zijn gebruik van felle kleuren en precieze penseeltrekken. Zelfs wanneer zijn werken soms beïnvloed werden door het Italiaanse maniërisme, een renaissance-stijl die toen fel in opmars was.

Pieter Pourbus

Portrait de Pieter Dominicle, 1558

Huile sur panneau

Pieter Pourbus (Gouda, 1523-1584) s’est installé à Bruges à l’âge de 17 ans pour intégrer la Guilde de la ville et apprendre le métier de peintre, sculpteur, dessinateur et cartographe. Il a rapidement émergé comme chef de file des artistes de sa génération laissant derrière lui de nombreux chefs-d’œuvre que l’on peut encore admirer aujourd’hui, notamment la Nativité à l’église de Notre-Dame de Bruges. On a dit de lui qu’il était le dernier primitif flamand en raison de son utilisation des couleurs vives et de la précision de ses traits alors même que le maniérisme italien, apporté par la Renaissance, style en puissance à l’époque, transparaît çà et là dans ses œuvres.

Pieter Pourbus

Portret van Livina Van der Beke, 1558

Olie op paneel

Pieter Pourbus (Gouda, 1523 – 1584 vestigde zich op 17-jarige leeftijd in Brugge om lid te worden van de stadsgilde en het vak van schilder, beeldhouwer, tekenaar en cartograaf te leren. Hij groeit al snel uit tot de meest toonaangevende kunstenaar van zijn generatie. Sommigen beschouwen hem als de laatste van de Vlaamse Pri-mitieven door zijn gebruik van felle kleuren en precieze penseeltrekken. Zelfs wanneer zijn werken soms beïnvloed werden door het Italiaanse maniërisme, een renaissance-stijl die toen fel in opmars was.

Pieter Pourbus

Portrait de Livina van der Beke, 1558

Huile sur panneau

Pieter Pourbus (Gouda, 1523-1584) s’est installé à Bruges à l’âge de 17 ans pour intégrer la Guilde de la ville et apprendre le métier de peintre, sculpteur, dessinateur et cartographe. Il a rapidement émergé comme chef de file des artistes de sa génération laissant derrière lui de nombreux chefs-d’œuvre que l’on peut encore admirer aujourd’hui, notamment la Nativité à l’église de Notre-Dame de Bruges. On a dit de lui qu’il était le dernier primitif flamand en raison de son utilisation des couleurs vives et de la précision de ses traits alors même que le maniérisme italien, apporté par la Renaissance, style en puissance à l’époque, transparaît çà et là dans ses œuvres.

Michiel van Mierevelt

Portret van een onbekend officier, 16°-17° eeuw

Olie op paneel

Michiel van Mierevelt (Delft, 1567 – 1641) voerde als hofschilder een groot aantal opdrachten uit voor de gegoede klasse van Delft en Den Haag. Het tentoongestelde portret is ongetwijfeld dat van een militair met een hoge rang. We zien diverse prestigesymbolen zoals de gouden ketting aan de schouder en ook de witte plooikraag. Op basis daarvan kunnen we het werk overigens plaatsen in het derde decennium van de 17de eeuw.

Michiel van Mierevelt

Portrait d’un officier inconnu, XVIe-XVIIe siècle

Huile sur panneau

Michiel van Mierevelt (Delft, 1567-1641) a, en tant que peintre de cour, effectué un grand nombre de commandes venant des classes aisées des villes de Delft et de La Haye. Le portrait présenté ici est très certainement celui d’un militaire de haut rang. Plusieurs symboles de prestige nous apparaissent tels que la chaîne en or qui tombe de son épaule ainsi que le col plissé blanc. Celui-ci permet d’ailleurs de dater l’œuvre de la troisième décennie du XVIIe siècle.

Justus Sustermans

Lady Elizabeth Cecill Countesse of Barklsheere, 1618

Olie op paneel

Justus Sustermans (Antwerpen, 1597 – 1681) is een barokke schilder. Hij wordt beschouwd als de beste portrettist van zijn tijd in Italië, een gelijke van Van Dyck, Holbein en Rubens. Hij gaat in de leer bij Willem de Vos in Antwerpen en verblijft daarna van 1616 tot 1619 in Parijs, waar hij geregeld het atelier van Frans Pourbus de Jonge, schilder aan het Franse hof, bezoekt. In die periode maakt hij het portret van Lady Elizabeth Cecil, dochter van William Cecil, tweede graaf van Exeter en afkomstig uit een Engels adellijk geslacht. In 1620 verlaat Sustermans Frankrijk en gaat naar Italië, waar hij de officiële hofschilder van de Medici wordt en zijn kunst een hoogtepunt bereikt.

Justus Sustermans

Lady Elizabeth Cecill Countesse of Barklsheere, 1618

Huile sur panneau

Justus Sustermans (Anvers, 1597-1681) est un peintre baroque. Considéré comme le meilleur portraitiste de son temps en Italie, on l’estime comme l’égal de Van Dyck, Holbein et Rubens. Il commence son apprentissage auprès de Willem de Vos à Anvers. Il part ensuite à Paris de 1616 à 1619, où il fréquentera l’atelier de Frans Pourbus le Jeune, peintre de la cour de France. C’est à cette période que le portrait de Lady Elizabeth Cecil fut réalisé. Fille de William Cecil, second comte d’Exeter, elle est issue d’une famille d’aristocrates d’Angleterre. En 1620, Sustermans quitte la France pour l’Italie où il deviendra le peintre officiel de la cour des Médicis et où son art atteindra son apogée.

Bartholomeus Spranger

Ceres, 17de eeuw

Olie op paneel

Bartholomeus Spranger (Antwerpen, 1546 – 1611), bij leven een gerenommeerd kunstenaar, wordt beschouwd als een van de meest internationale figuren van zijn tijd. Hij werkte in Italië in dienst van paus Pius V, in Wenen aan het hof van Maximiliaan II, en ook in Praag in dienst van keizer Rudolf II. Aan de golvende haardos herkennen we heel duidelijk Ceres in dit portret. Als godin van de landbouw werd zij altijd al vereenzelvigd met vruchtbaarheid en overvloed. Samen met Venus en Juno belichaamt zij een van de favoriete godinnen uit het repertorium van de renaissance en de barok. De kleine afmetingen van het werk doen denken dat het afkomstig is uit een reeks ter illustratie van hetzij de vier seizoenen, hetzij de goden uit de mythologie.

Bartholomeus Spranger

Cérès, XVIIe siècle

Huile sur panneau

Bartholomeus Spranger (Anvers, 1546-1611), artiste renommé de son vivant, est considéré comme l’une des figures les plus internationales de son temps. Il a travaillé en Italie au service du pape Pie V, à Vienne à la cour de Maximilien II ainsi qu’à Prague au service de Rodolphe II. Il est facile de reconnaître Cérès dans ce portrait grâce aux épis dans la chevelure. Déesse de l’agriculture, elle fut de tout temps associée à la fertilité et à l’abondance. Avec Vénus et Junon, elle incarne l’une des déesses favorites du répertoire de la Renaissance et du Baroque. Les petites dimensions de l’œuvre laissent penser qu’elle est issue d’une série illustrant soit les quatre saisons soit les dieux de la mythologie.

Lucas de Heere

Jonge vrouw met vaas, 16de eeuw

Olie op paneel

Lucas de Heere (Gent, 1534 – 1584) past zijn anagram “Schade leer u” (“vergissingen zijn leerzaam”) zijn hele leven lang toe, niet alleen als schilder, maar ook als dichter en schrijver. Tijdens zijn leven is hij een bekend en populair kunstenaar, geliefd bij de adel, waarvoor hij talrijke opdrachten uitvoert. Hij vertoeft ook een tijdje in Engeland, waar hij al snel de hoge kringen binnendringt. Zo maakt hij in 1569 het portret van koningin Elizabeth, een allegorisch tafereel rond de troonopvolging binnen de Tudor-dynastie.

Lucas De Heere

Jeune femme au vase, XVIe siècle

Huile sur panneau

Lucas de Heere (Gand, 1534-1584) avait comme anagramme « Schade leer u » (l’erreur vous instruit) et a appliqué cette devise toute sa vie durant dans sa pratique de peintre, mais aussi de poète et d’écrivain. Il a été un artiste célébré de son vivant, populaire et aimé de la noblesse pour laquelle il effectuait de nombreuses commandes. Il a également vécu un temps en Angleterre, où il a rapidement fréquenté les hautes sphères de la société, et a notamment effectué le portrait de la reine Élisabeth en 1569, dans une scène d’allégorie de la succession des Tudors.

Veronique Branquinho

Herfst Winter 2016

Courtesy Veronique Branquinho

Veronique Branquinho (Vilvoorde, 1973) studeert af aan de Antwerpse Modeacademie in 1995. Al snel verwerft ze internationale bekendheid met haar label. Ze was onder meer artistiek directeur bij het huis Delvaux in 2009. Haar stijl wordt gekenmerkt door sobere elegantie en een snit die een sterke vrouwelijke sensualiteit uitstraalt. Dit sculpturaal silhouet maakt deel uit van haar laatste collectie (winter 2016), waarvoor ze haar inspiratie bij de Vlaamse meesters haalde. Haar garderobe bestaat uit lange en vloeiende jurken, opgevrolijkt met kraagjes en brede kapjes, getuigen uit andere tijden. Dit kraagje is een originele creatie van Dirk Van Saene – die we eerder in de tentoonstelling al mochten bewonderen – speciaal voor Veronique Branquinho.

Veronique Branquinho

Automne Hiver 2016

Courtesy Veronique Branquinho

Veronique Branquinho (Vilvorde, 1973) est sortie de l’Académie de mode d’Anvers en 1995, depuis elle s’est établie internationalement avec sa marque éponyme. Elle a notamment été la directrice artistique de la maison Delvaux en 2009. Son style se reconnaît par une élégance sobre et aux détails des coupes révélant une sensualité toute féminine. Cette silhouette sculpturale fait partie de sa dernière collection, celle pour l’hiver 2016, une collection pour laquelle elle cite comme inspiration les maîtres flamands, composant un vestiaire aux tenues longues et fluides, agrémenté de collerettes et de capuches amples issues d’un autre temps. Cette collerette est une création originale de Dirk Van Saene – croisé ailleurs dans l’exposition - pour Veronique Branquinho.

Bernhard Willhelm

Kusel – Elmstein – Lion

Lente Zomer 2009

Courtesy Modemuseum Antwerpen

Bernhard Willhelm (Ulm - Duitsland, 1972) beëindigt enkele jaren na Veronique Branquinho, in 1998, zijn studie aan de Antwerpse Academie. Hij werkt een tijdje als assistent van Walter Van Beirendonck. Zijn stijl springt in het oog en wordt gekenmerkt door een spontane snit die bewust uniseks is, het geheel wordt met felle kleuren opgevrolijkt. Al snel keert hij de gangbare opvattingen van de industrie de rug toe. Hij verhuist in 2013 naar Los Angeles, waar hij met een propere lei begint en volop experimenteert, zowel met mode als seksualiteit, kunst, film en video. Hij stelt zijn creaties trouwens voor via kunstperformances, of “tableaux vivants”. Dit silhouet komt uit de zomercollectie van 2009, waarvoor hij in samenwerking met fotograaf Nick Knights de video “Men In Tights” maakte.

Bernhard Willhelm

Kusel - Elmstein - Lion

Printemps Été 2009

Courtesy ModeMuseum Antwerpen

Bernhard Willhelm (Ulm, Allemagne, 1972) est sorti quelques années après Veronique Branquinho de l’Académie d’Anvers en 1998, des années durant lesquelles il a notamment été l’assistant de Walter Van Beirendonck, également présent dans l’exposition. Son style est saisissant, aux coupes spontanées et volontairement unisexes, le tout travaillé dans des couleurs vives. Il a rapidement tourné le dos aux conventions de l’industrie, déménageant à Los Angeles en 2013, pour se repositionner et donner libre cours à la liberté d’expérimenter, aussi bien la mode, la sexualité, l’art, le cinéma que la vidéo. C’est d’ailleurs à travers des performances, ses « tableaux vivants » qu’il présente ses créations. Cette silhouette date de l’été 2009, collection pour laquelle il a réalisé une vidéo en collaboration avec le photographe Nick Knights, intitulée Men in tights.

Pieter Paul Rubens

De verzoening tussen Romeinen en Sabijnen (1640)

Olie op doek

Deze twee olieverfschetsen zijn de laatste die hij schilderde voor zijn dood in 1640. Ze zijn zeer waardevol niet alleen omwille van de uitwerking, die duidelijk Peter Paul Rubens‘ artistieke visie en vaardigheid uitdrukt, maar ook omwille van het feit dat de schilderijen – besteld door Filips IV van Spanje – die gebaseerd waren op deze schetsen onherroepelijk beschadigd werden tijdens de brand in het Alcazar in Madrid begin 18de eeuw.

Pieter Paul Rubens

La réconciliation des Romains et des Sabins (1640)

Huile sur panneau

Ces deux esquisses à l’huile sont les dernières que Pierre Paul Rubens ait peintes avant sa mort en 1640. Leur valeur ne tient pas seulement à leur caractère élaboré, qui exprime clairement la vision artistique et le métier du peintre, mais aussi au fait que les tableaux pour lesquels elles servirent de base, à la demande de Philippe IV d’Espagne, furent irrémédiablement endommagés dans l’incendie de l’Alcazar de Madrid, au début du XVIIIe siècle.

Pieter Paul Rubens

De roof van de Sabijnse maagden (1640)

Olie op doek

Deze twee olieverfschetsen zijn de laatste die hij schilderde voor zijn dood in 1640. Ze zijn zeer waardevol niet alleen omwille van de uitwerking, die duidelijk Peter Paul Rubens‘ artistieke visie en vaardigheid uitdrukt, maar ook omwille van het feit dat de schilderijen – besteld door Filips IV van Spanje – die gebaseerd waren op deze schetsen onherroepelijk beschadigd werden tijdens de brand in het Alcazar in Madrid begin 18de eeuw.

Pieter Paul Rubens

L'enlèvement des Sabines (1640)

Huile sur panneau

Ces deux esquisses à l’huile sont les dernières que Pierre Paul Rubens ait peintes avant sa mort en 1640. Leur valeur ne tient pas seulement à leur caractère élaboré, qui exprime clairement la vision artistique et le métier du peintre, mais aussi au fait que les tableaux pour lesquels elles servirent de base, à la demande de Philippe IV d’Espagne, furent irrémédiablement endommagés dans l’incendie de l’Alcazar de Madrid, au début du XVIIIe siècle.

Paul Delvaux 1897-1994

De stad bij dageraad (1940)

Olieverf op doek

In de onwezenlijke sfeer van een antieke stad onder een nachtelijke hemel proberen drie naakte vrouwen een tengere jongeman te verleiden, maar hij wendt zich af en maakt een afwerend gebaar. Andere naakte of halfnaakte vrouwen spelen in en rond de klassieke gebouwen die het decor vormen. De afstandelijke jongeman is Paul Delvaux zelf. In die gedaante heeft hij zich vaak voorgesteld in schilderijen die de problematische relatie tussen de seksen als thema hebben. ‘De stad bij dageraad’ bevat nog een tweede zelfportret: in het midden van het tafereel staat de schilder volledig gekleed, met zijn palet en penseel in de hand, alsof hij zijn eigen droom is binnengestapt.

Paul Delvaux 1897-1994

L'aube sur la ville (1940)

Huile sur toile

Dans l’atmosphère irréelle d’une cité antique, sous un ciel nocturne, trois femmes nues tentent de séduire un jeune homme fluet, qui se détourne et fait un geste de refus. D’autres femmes nues ou à demi-nues jouent à l’intérieur et autour de bâtiments classiques qui forment le décor. Le jeune homme distant est Paul Delvaux lui-même. Il s’est souvent représenté sous cet aspect dans des tableaux dont le thème est la relation problématique entre les sexes. L’aube sur la ville comporte un second autoportrait : au milieu de la toile, le peintre est entièrement habillé, la palette et le pinceau à la main, comme s’il avait pénétré dans son propre rêve.

 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
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